“放松”分为两种，一种是生理上的放松，一种是心理上的放松，下面我们以时间为界限，结合生理与心理，将放松的状态分为演奏前、演奏中和演奏后，来谈谈在钢琴表演中如何放松：
（一）演奏前的放松
我们在教学过程中发现，许多钢琴演奏者都很胆怯，普遍会出现手掌、手臂或者肩膀肌肉紧绷，常常弹错音，做出许多多余的、干扰演奏的动作，很容易显得僵硬，身体无法放松，但就他们的演奏水平来说，根本不应当出现此类问题。追根究底，这种现象是没有信心的表现。
前苏联着名钢琴家涅高兹认为“信心是放松的基础”，并且在他的着作《论钢琴表演艺术》中专门用一节论述了这一观点。表演一首音乐作品，应当在演奏前就形成对完美演奏的强烈自信，要形成这种强大的自信心，自然得对作品有信手拈来的熟练程度，否则，在演奏前还在被弹错音、表错情的问题困扰，当然不可能在演奏中做到忘我地投入，害怕弹错音引起的慌乱，也是导致身体紧绷，不能放松的原因之一。由此可见，想要自然，放松的完成一次演奏，对整首作品成竹在胸的状态是演奏前的必要准备。
我国古代古琴演奏者操琴之前先要沐浴更衣、净面焚香，保持心情的平和，用我们今天的话来说，演奏的环境、演奏者的心情和状态都有可能影响到演奏，额外的精神压力和负担都会直接影响演奏，所以稳定的心理素质是关键。演奏之前可以通过自我暗示法来增强信心，通过情绪转移引导自我避开不良因素，降低压力，实现自我心理放松。
（二）演奏中的放松
对于演奏的作品在全面理解基础之上的整体把握，是在演奏中达到放松状态的前提。演奏过程中，演奏者应当从理解音乐入手，把握音乐的总体结构、发展趋势，理清脉络和气息的开合，追求生理上的放松的前提就是要在精神上达到自然放松的状态。涅高兹也曾说道：“永远不应当忘记，弹钢琴时，在音乐上亦在精神上，如若不能放松自如，生理上（动作上）也绝不可能放松自如”。
音乐作品的节奏好似跳动的脉搏，这种说法其实不无道理。我们不妨思考一下，我们的心脏终身都在“咚咚”跳动，人的大脑都需要休息，为什么心脏好似一直都在跳动，不知疲累？仔细想想，心脏一收一缩的节奏中间，其实有非常短暂的空隙，在这空隙间，心脏就做了放松状态的休息，因此才能够持续工作几十年，甚至在高强度运动时也能够高速运转。节奏好比跳动的脉搏，我们的双手就是操纵着脉搏的心脏，在节奏的缝隙里寻找休息处。只有这样，才能在遇到高难度、高速度、高强度的作品时，始终保持放松的身心状态，把握音乐的律动，把握“平衡与和谐”，以表达美妙的音乐形态。
演奏中，指尖触键的动作要稳定而有把握，从肩部到手指的动作要灵活、富有弹性并且放松。除了瞬间用力的“点”，之前和之后的除指尖以外的的部位，都要及时进入放松状态。在手指向下一个音的位置行进之前，要在脑子里迅速确定速度、触键方式，并且仔细思考设计，使每一个手指交替的瞬间，接替的手指都处于最有利、最方便的位置。时刻记住，下一个音的弹奏总是在前一个音的位置就已瞬间做好完美的准备，不在音前临时找音，有把握才有放松。
《溪山琴况》中对于古琴的审美和演奏方法有“迟”况、“速”况之说。钢琴演奏与之也有很大的相似之处，触键的方式并不全是时刻绷紧指尖准备敲击，有时缓慢、身体放松、沉着的触键会比小面积尖锐的触键方式好很多。即便在短促、坚硬的音型处，也应当保证非用力部位的放松，指尖到位之后，同时停止用力，只需站稳以承担身体自上而下的力量。
我们这里所说的放松，不是任意和懒散，而是有控制的放松，这种感觉是指演奏者的手指、腕部、手臂和身体其余部分的一种自然的状态。过于任意的放松会使手指在琴键上的站立出现各种各样的问题，过分地紧张又会导致身体的僵硬。在触键点后的保持过程中，应当感受琴键的回传力，使身体自然的力刚好到抵消、吸收这股回传力，达到最大程度上的自然和放松。
我们说在演奏中要达到忘我的状态，其实这种状态可以说是一种以音乐为中心的状态。演奏时的聆听是必须的，留神听每一句话（即乐句），在脑海中形成对音乐的整体走向完整的印象，这种专注于音乐本身的状态能够使演奏者忽略周围环境的影响，致力于演奏和聆听，这是非常有助于实现钢琴表演过程中的放松状态。
（三）演奏后的放松
钢琴演奏中，每一个音符的出现，也就同时即刻消失，成功与否都因为“一次性”的不可保留而不可更改。许多钢琴家在音乐会结束之后喜欢独自一人在完全放松的状态，将所有音乐会曲目全部全神贯注地从头到尾演奏一遍，这一遍所获得的信息，甚至超越练习成百上千遍的效果，有时还会有新的感悟。因为音乐会时，演奏者难免带着压力上场，有时十分有经验的演奏者也难免出错。但是因为钢琴表演的不可更改性，若是有瑕疵出现，不仅会影响演奏者表演后的心情，对后续表演也会造成心理上的压力和影响。演出后回忆或者重听、重看演奏录音或录像，然后进行分析、理解或再体验，从而不断总结、改进，对再次演奏的把握性和放松状态有十分重要的作用。
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