希腊雕刻刻的是裸体人像。拉奥孔被巨蟒缠身痛苦不堪。“断臂维纳斯”差一点引起了一场战争。敦煌莫高窟的真相。中国的画像石也是一门艺术，不容忽视。三个英雄分两只桃。
公元前5世纪前后，在欧、亚、非三大洲的交界处，出现了一个伟大的国家希腊。
其实，早在古代，“希腊”并不是一个国家的名称。当时，希腊人把自己居住的地方称为“希腊”。后来，才在这块土地上建起了许多城邦国家。
生活在这里的古代希腊人，享受着大自然的极大恩赐。这里一年之中，大部分时间阳光普照，没有浓雾，没有飓风，温暖舒适。有人比喻为像一群青蛙围着一个水塘，谁都舍不得离开。他们都把这个世界看成了人间乐园。有位大诗人说，我宁愿被误判死刑，也不愿离开。
就在这里，哺育了一个智慧而聪明的民族，产生了欧洲文化的第一个高峰——雕刻艺术，写下了整个人类艺术史上最光辉的篇章。
希腊雕刻有一个很奇怪的特点，大部分都是裸体的。
当然，这其中自有道理。
古希腊的奴隶主，经常对外扩张，通过战争来增加财富。战斗，需要强健的体魄。于是，所有的男子都要接受军事训练，随时准备应召，参加战斗。
频繁的战争，迫切需要壮实的青年男子。所以，在整个古希腊时期，经常通过竞技来选拔人才。竞技的时候，大家都是赤身裸体的。每逢节日，各城邦都举行大规模的选拔。那些最有力气、身手最灵活的青年，就被公认为社会的英雄，并且会受到全社会的崇拜。
由于希腊的气候四季如春，阳光明媚，这些运动健儿们，不仅在竞技场上裸露身体，还常常在举行迎神游行时，也光着身子跳舞，不穿衣服。那么，竞技优胜者获得的奖品，一根丝带，戴在哪呢？就扎在自己的头上。这种体育比赛，最著名的，就是每四年举行一次的奥运会。
运动会一结束，所有的优胜者都被记录入册，他们的家乡，或者特别热爱体育的地方，就为他们塑造纪念像，以此做为表彰。所以，希腊雕刻艺木十分重视对运动员的雕像和武士雕像的制作。
希腊历史上第一届奥运会，是公元前776年举行的，并且规定，以后每四年在宙斯祭坛举行一次。于是，举行奥运会逐渐成了全希腊人民生活中最盛大的节日。竞技的项目，也越来越多。当时，像拳击、角力、混斗、赛跑、跳跃、掷铁饼、投标枪、游泳、爬绳和拔河等等，都是规定的比赛项目。节日的时间也越来越长。
就在这时，产生了许多著名的体育雕刻。有《掷铁饼者》、《刮汗污的运动员》等等。
在歌颂男人体格健美有力的同时，古希腊人也渐渐地认识到女人体格美的价值。健康而美丽的女子，可以生育健壮的孩子，不是更美吗？于是，雕刻家经常把最美的女性作成塑像，供立在庙宇中，让人们赞颂。维纳斯女神形象，在当时就被大量创造。
希腊雕刻还有一个与众不同的地方，就是喜欢把神话作为雕刻内容。古希腊人认为，宇宙间的万物都是神主宰的。他们设想，天地万物都有
神掌管。于是，凭着丰富的想象力，他们创造了情节复杂、人物众多的希腊神话。
十分有趣的是，在希腊神话里，神和人经常打交道，甚至还恋爱结婚，产生了“神人共存”的境界。所以，他们经常把神的长相雕刻成人的样子，也让神和人一样有思想，有感情。也可以说，希腊的雕刻就是从这个土壤里诞生的。
了解了以上两个特点，我们对希腊雕刻艺术就好理解了。让我们看看它们到底是怎么回事。
大雕刻家米隆的《掷铁饼者》，是表现体育运动题材的精彩杰作。
米隆大约生于公元前492年。他20岁时在希腊老雕刻家阿基列达斯门下学习，到40岁左右，技艺十分精湛，他特别擅长用青铜作雕刻材料。能把人物表现得生动逼真，把动物刻划得栩栩如生。
据说，有一次，米隆为雅典城堡塑造一尊青铜牡牛雕像，简直跟活的差不多，引来了成群的野狼，围着转。另外一次，他雕刻了一匹马，看上去和活马没有区别，引起了一匹真马不停地嘶叫。很可惜，米隆所有的雕刻原作都没有保存下来。今天能看到的，也都是罗马匠师摹制的大理石复制品。
米隆长期住在雅典，他的雕刻作品大多是表现雅典的事件。雅典人战胜了波斯军队后，就立即着手重建卫城。卫城内，除了巴底隆神庙以外，还要矗立许多卓越的运动员雕像。《掷铁饼者》就是其中之一。
这件雕刻是公元前470年创作的。原作是青铜的，留传下来的是大理石摹制品，现在已经发现几个。大多数学者一致认为，1781年出土的、现在保存在罗马兰舍洛蒂宫的一尊最正确，十分接近原作。
雕像表现运动员正要将铁饼投掷出去的一刹那。造型十分生动。投掷者弯腰扭身，右腿弯曲，左脚拖后，脚尖自然点地，全身力量都落在右脚，左手顺势自然往右膝方向摆动。此时，运动员持铁饼的手臂摆动到即将投射的关键点上。所以运动员身躯各部分的转折，也达到了力度与紧张度的饱和点。
有人从现代投掷技术的角度来推敲，认为这个姿势不准确。哪有投掷时头部向下，两眼看着地面的！再说，左脚屈在右腿后面，也没有起到支撑作用。正确的姿势应该是头部视线顺着铁饼摆动的方向旋转。既然是右手执饼，就应该是左脚在前支撑身体，右腿弯曲后蹬地，然后再挺身，掷饼。
听上去确实荒唐。竟然用体育理论欣赏艺术创作。他们哪里懂得，希腊人对人体美追求的自由。
好了，话题收回，继续欣赏作品。
在这件雕像上，人的动势优美感人，整个雕塑产生了一种圆润的美的旋律。作者故意让运动员脸部镇定自若，很好地表现了投铁饼者对胜利的信心。十分镇定的面部表情，与那紧张的肢体形成鲜明对比。这样，一个从容，一个剧烈，看上去矛盾，又十分和谐。
让我们十分敬佩的是，雕刻本来只能静止表现动态过程中的一瞬间，而被米隆凭着丰富的想象，超越了时间和空间的局限。使观者在欣赏掷铁饼运动员美的动势时，好像看到了掷铁饼的一连串动作。
米隆雕塑喜欢多变。他敢于突破旧的方式，把人的重心移到一只脚上，使另一只脚自然地放着，给人一个“运动感”。这个艺术匠心，使《掷铁饼者》至今还被公认为体育运动和健美体魄的稀世杰作。
古希腊的体育越来越受欢迎，裸体锻炼和比赛的风气也越来越浓。许多
艺术大师对人体的研究兴趣更浓了。波留克来妥斯为人体雕刻确立了一个“法式”。就是说，他创造的裸体运动员，是当时的典范。
波留克来妥斯有一套具体的严格的要求，人要圆头、宽肩、阔胸、厚背、粗臂、短腿。人体的比例是，头与身体接近一比七。他认为，这样人物就有粗短敦实的造型，最能体现人体健壮的特点。
他对比例要求十分严格，就连一节小的指头，也必须与全身有正确的比例。那么，在姿势上也有讲究，一只脚支撑身体重心，另一只脚完全放松。他的杰作《持矛的战士》，就是他“法式”的体现。
作品雕刻的是一个身体发育得很完美的青年运动员，裸露着健美的身躯，手持竞技用的长矛正迈步向前。雕像的姿势是左手拿着矛，右腿站立，支撑点落在右腿上；右手下垂，左脚稍微向后弯曲点地。他的动势，显出一种轻松的气氛。左右两腿的力度对比，相当和谐。
波留克来妥斯的比例说，与当时的毕达哥拉斯学派的美学观完全一致。他们认为，数的和谐支配一切规律。古希腊人，曾经从数的概念创造出“黄金分割律”。《持矛的战士》被称作是按照数创造出来的雕刻。它也和早期其他的雕刻作品命运相同，原件早已难以寻觅了。现在只有几件古时候的复制品传世。在意大利庞贝城发现的一尊最好。
波留克来妥斯还有另一尊雕刻杰作，叫《束发的运动员》，是《持矛的战士》的姊妹篇。作品表现的是，一个获胜的运动员在头上系上冠军绶带的情景。运动员五官端正，比例匀称，动作均衡，完全是按照数的“法式”创造出来的美男子。
波留克来妥斯在当时太杰出了，他定下的规定，人们都恭恭敬敬遵守，一直过了几十年，没有人敢提出一点疑问。
且说世上的事，就是“长江后浪推前浪，一代新人换旧人”。到公元前4世纪的末期，古希腊又出现了一位雕刻艺术大师名字叫留西坡斯。他打破了波留克来妥斯的“法式”，建立一个新的规范。
留西坡斯可是古希腊的最后一位雕塑代表。他的青铜雕像继承前人的传统，还大胆创新。认为人体的头和身体的比例是一比八，把原先粗矮的人物体形拉长了。留西坡斯所有的创作题材全都是神、英雄和运动员。从来没有制作过一尊女性像。但是，十分有趣，他创立的“一比八”的新法则，被别人用到了女性形象的创造上，出现了一大批身材高挑、亭亭玉立的妇女形象，并且成了女性人体造型的典范，一直保持到公元前2世纪。
据说，留西坡斯为了寻找最美的人体比例，一生中制作了大大小小的青铜像1500多个。
在人物的姿态上，他又一次大胆改革。他雕刻人物，重心仍然落在一只脚上，不过，另一只脚已不再处于完全松驰的状态了。他让人物微踮起脚，准备随时落地，这样就更突出了动作的变化过程。
因此，从节奏变化上看，比不上波留克来妥斯明显，但是，紧张状态加强了，力量感也更强。他在技法上强调立体感。最著名的代表作是《刮汗污的运动员》。
这个雕像，成功地表现运动员的精神状态。艺术家抓住了运动员一个动作的结束，下一个动作将要开始的一刹那。运动员正举着双臂刮去身上的汗污。巧妙地使运动员脸上的劳累表情与全身肌肉的紧张状态结合起来，非常和谐，使静止的雕像显示出动态的感觉。
留西坡斯仿佛让雕塑讲话，告诉观赏者运动的疲劳，更使冰冷的大理石有肉有血，好像真人一样在刮身上的汗渍。当时，人们都称赞他最善于表现人物个性。亚历山大大帝是个非常挑剔的皇帝，对一般人的雕塑都不屑一顾。不过，他非常欣赏留西坡斯的艺术才华．，只允许留西坡斯一个人为他造像．
到了留西坡斯，希腊的艺术进入了一个新阶段。从男裸雕像表现上发生了大变化，进入了著名的“希腊化”时期。
什么叫“希腊化”呢？就是指亚历山大征服了希腊之后，在公元前323年，又挥军东征，把希腊文化也带到了东方各国，并与当地的文化互相融合。人们把这种融合称做“希腊化”。希腊文化与东方文化结合以后，反过来又促进希腊本土文化的新繁荣。这就总称为“希腊化时期”。这个时期大约持续到罗马征服希腊为止。那已经是公元前146年的事了。
希腊化时期的一个美术中心是小亚细亚的柏加马。这是亚历山大大帝死后才诞生的一个新国家。这个独立王国领土不大，可是政治、经济、文化却很繁荣。它的图书馆藏书特别多，仅次于希腊的文化中心亚历山大里亚，排名城邦第二位。它的羊皮纸生产，在全希腊最有名。
国王阿塔尔和以后的皇帝，都十分喜欢艺术，而且，特别热爱美术。他们努力宣传雕刻艺术的价值，全国产生了一大批艺术作品。当时，柏加马的卫城里有著名的雅典娜神庙、王宫、图书馆和宙斯祭坛，它们组成了一组巨大的、出色的建筑群。宙斯祭坛上面的巨大饰带浮雕，被称为世界奇迹之一。雕刻上，出现了一种新的风格，后人称之为“柏加马派”。
在这个时期，中欧有一股游牧民族，叫高卢人。他们经常袭击希腊，蹂躏希腊人民。到公元前241年，阿塔尔一世打败了高卢人。为了纪念这个历史性的胜利，国王聘请来一大批希腊雕刻家，创造纪念像来装饰雅典娜神龛。
这些青铜雕像，今天都已经荡然无存了，不过，却留下了许多大理石摹制品。这些摹制品，成了希腊化时期雕刻艺术最珍贵的精品。其中，《垂死的高卢人》和《自杀的高卢人》是最精彩的两件。
《垂死的高卢人》，雕刻的是一个受了重伤的高卢战士。他坐在地上，身体向前倾斜。他用右手支撑地面，左膝曲起，试图挣扎站起来，脸上一副不甘屈服的表情。雕刻十分形象地揭示出了一个垂危战士的英雄气概。人们从雕像的激愤中，几乎可以看到他身上流下的鲜血。
《自杀的高卢人》，同样描写出了战败的高卢战士的英雄气概。这名高卢战士，为了不被敌人俘虏，身受凌辱，亲手杀死了自己的妻子，然后准备自杀。这时，他左手托着被他杀死的妻子，右手执剑刺入自己的心脏，一副宁死不屈的壮烈姿态，让人十分崇敬。
他身体站着，头向后转，两道无比愤怒的目光，射向从后面追来的敌人。这一优美激越的形象动作，体现出大无畏的精神，表现了高卢人勇敢强悍的民族性格。
十分有趣的是，艺术家的本来目的是要揭露侵略者的悲惨境遇，表彰胜利者的凯旋与幸福情绪。但是，由于艺术家过分强调了高卢人的尚武精神，反而使得敌人显得威武不屈，令人崇敬。
我们从这两尊雕像的形式上看，雕塑家选中了古代战士奋不顾身的、最激动人心的时刻。这与当时的亚历山大里亚的雕塑风格形成鲜明的对照。在柏加马，希腊人不仅以这些雕像来赞美胜利，就连所有的祭坛浮雕，也都表现出胜利者的炫耀心理。比如，宙斯祭坛的浮雕，虽然刻划的是神话题材，
实际上，那条大饰带浮雕上众神与巨人战斗的激烈场面，就是用来比喻希腊人战胜游牧民族高卢人的。这两尊大理石摹制品，现在分别收藏在罗马卡比得博物馆和特而菲博物馆。
且说在希腊化时期还有第三个美术中心，那就是罗得岛。
这个岛在希腊化时期正好处在希腊与小亚细亚的中间地带。公元前3世纪初，这里已是一个重要的港口和运输要地。经济富裕了，自然而然也就带来了艺术上的繁荣。岛上的富人经常招聘许多雕刻家，为他们制作雕像，设计豪华的建筑。公元前3世纪初，大雕刻家留西坡斯的学生卡列斯，曾经花了12年的时间，在那里制作了一座巨型青铜太阳神雕像，高达34米。据记载，当时的罗得岛十分富有，在文艺繁荣时期共拥有100多尊巨大的雕像。只可惜，这些巨型雕像都在公元前227年的一次大地震中毁坏了，一件也没有保存下来。
这个时期美术的代表作是《拉奥孔》雕塑群像。根据考古学家考证，这个群像是罗得岛的三位雕塑家，阿基桑得罗斯和他的两个儿子坡里多罗斯、阿典诺多罗斯一起创造的。这可能是公元前1世纪的事。
“拉奥孔”，是希腊神话传说中的特洛亚的祭司。希腊人围攻特洛亚十年，双方死伤了不少英雄，希腊人就是攻不下特洛亚城。战争的最后一年，希腊军队的奥德赛，足智多谋，想出了用木马计智取。就是用木头做一匹巨大的马，放在特洛亚城外。奥德赛率领众多勇士事先藏进马肚子里，然后，其他希腊军队假装撤退，乘船隐蔽在附近的海湾里。
特洛亚人果然上当了。他们真的以为希腊人无心恋战，撤退走了。于是，决定打开城门。他们看到城门外停放一匹巨大的木马，以为是希腊人献给女神雅典娜的，就打算把木马拖进城来。阿波罗神庙的老祭司拉奥孔认为，希腊人不可能这么轻易放弃战斗，就警告特洛亚人，不要轻率地把木马拉进城内，以防中计。
不料，这回得罪了雅典娜和众神。当时，天上的神也分两派。雅典娜等神支持希腊人，要毁灭特洛亚城。拉奥孔却去戮穿希腊的诡计，显然是与众神作对。雅典娜非常生气，就派遣两条大蟒蛇，在一次祭祀的时候，把拉奥孔和他的两个儿子活活缠死。拉奥孔作为祭司，预告灾难的来临是他的责任，本来应该得到表扬。但是，他违背了“天意”，所以，遭到惩罚。在这个神话传说中，古希腊人有一种悲观的思想，人水远斗不过神。
拉奥孔与巨蟒搏斗，显示出了非常复杂的扭曲动作。人物的左臂向颈子的后面弯去，两手握着巨蟒，头和身体都往后仰着。两腿分开，屈成半站半坐形状，动作由中心向四面扩展。而且，站立很不稳定，突出了人物痛苦挣扎的情景。人物嘴巴微微张开，双眉紧锁，看上去痛苦绝望。但是，就是在这种情况下，人物的形象也不显得很丑。可见，艺术家们在雕刻时，极力不破坏美的形象，用心是何其良苦啊！
18世纪德国的一位美学家兼诗人莱辛，在他的专著《拉奥孔》中，对这种表现痛苦但不丑的雕刻十分欣赏。他说：“是的，拉奥孔睑上是布满了痛苦。但是，他痛苦并不像人们所想象的那么激烈。”的确是这样。在古希腊，美是艺术家们所遵守的最高准则。为了避免在表现痛苦中显出丑，往往是故意避免让人产生激愤。
所以，当16世纪，《拉奥孔》雕像刚被发现的时候，人们觉得太了不起了。就连文艺复兴时期意大利伟大的雕刻家米开朗基罗也赞叹不已。他连声
说：“这真是艺术上的不可思议！”
欣赏完了好几件神话人物和战斗英雄的雕刻，该把笔墨让给美丽的女性了。统领着“美”和“爱”的天神阿芙罗蒂德，将成为我们这一部分的中心。
在希腊神话传说中，阿芙罗蒂德是宙斯和狄俄涅的女儿。她掌管人类的爱情、婚姻、生育以及一切动物、植物的繁殖生长。阿芙罗蒂德虽然是最美的女神，但是，她嫁的丈夫却奇丑无比。她有很多风流韵事，也挑起过许多矛盾。她曾经使宙斯变成公牛去追逐欧罗巴；又使宙斯变成鹅与丽达寻欢而生下了海伦；许愿给帕里斯王子最美的女子做妻子，又引起了持续十年的特洛亚战争，使地上的人，天上的神，都卷入了这场残酷的战争。
阿芙罗蒂德在罗马时代又称维纳斯。在造型艺术上，公元前二三万年左右就出现维纳斯雕刻了。不过，那个“维纳斯”的名字是后人加上去的。后来，又陆续发现了《蹲着的阿芙罗蒂德》、《叩伦纳阿芙罗蒂德》和《叙拉右阿芙罗蒂德》。这些女性的雕像，都表现出丰满圆润的人体美。
到19世纪初，大批的古代艺术珍品被从地下发掘出来，使得维纳斯的名字传遍全世界。尤其是米洛的阿芙罗蒂德，更是家喻户晓，使维纳斯在人们的心中形成了固定形象。
这个艺术雕像是偶然发现的。
1820年2月，在爱琴海的米洛斯岛上，一个农夫在一座古墓旁边整地时，意外地挖掘到一尊女性大理石雕像。出土时，分成上、下半身两截。在附近的田地里，还挖出了刻着名字的台座、拿着苹果的手腕、还有其他断片。当时，全世界兴起了考古热。农夫猜想这东西很值钱，立刻将它们埋回原地，首先报告了在岛上的法国领事。领事先付一笔定金，然后，立即通知设在君士坦丁堡的法国大使。
几乎就在同时，正在爱琴海上搞测量的一位法国海军军官知道了这件事。他是一位希腊艺术的爱好者。他看了这些雕像的断片后，认定它们是一个整体，并且，第一个断定这是维纳斯的雕像。于是，他告诉农夫，不要再到处声张了，法国决定买下来。于是，迅速赶到君士坦丁堡，向大使详细汇报，催促大使下决心买下。
要想人不知，除非己莫为。这句俗话说得相当好。法国人背地里购买出土维纳斯雕像的事，让岛上的长老知道了。他们认为希腊的艺术品，绝不能让法国人买走。长老召开会议决定，让农夫把雕像卖给在土尔其任职的一位希腊大官。所以，当法国人赶到岛上的时候，雕像已经装上船了。见此情景，法国人非常气愤，命令海军船舰随时准备行动。双方差点儿打了起来。事也凑巧。就在这武装冲突大有一触即发之际，突然，狂风大作，暴雨倾盆，把这场还没有燃起的战火冷却了。法国人毕竟手段高明，一面用武力恐吓，一面又给岛上送去大笔金钱。软硬兼施，终于把雕像弄到了法国船上。
由于种种原因，雕像运到巴黎后，直到1821年3月2日，国王路易十八才正式接受献礼。从这一天起，这座雕像就成了法国的国家财产。当时，她的登记名称是“在希腊群岛中的米罗所发现的维纳斯像”。现在被陈列在罗浮宫特别的展厅中。
维纳斯雕像的出现，在社会上引起巨大的震动。它的艺术魅力，征服了所有的人。
女神的面部表现出古典希腊女性的典型特征：椭圆的脸蛋，笔直的鼻梁，窄而平的前额，略鼓的嘴角和丰满的下巴。显得端庄、娴静。她的体形健美
修长，直立而又多变。脸部朝着左方，身体保持正面，但下肢又朝右方。她的重心落在左腿上，使整个身躯起伏变化，有强有弱，很有一种节奏感。特别是体形曲线的变化，更显示出了女神婀娜多姿。整个雕像看上去略为显得倾斜，但是十分稳定，并且具备了立体的欣赏特点，无论从哪个角度观赏，都能得到一种美的享受。
这么完美的艺术品，失去了双臂，实在是天大的遗憾。一百七十多年来，人们在无限赞美的同时，又为她的原型是什么样的展开了争论。争论的热烈程度，是西方美术史上少有的。许多艺术家都想还原她的双臂。大家设想出种种可能。
有人认为，她左手拿着苹果，搁在台座上，右手挽住往下滑的披布：有人认为，她双手拿着胜利花环；有人认为，她右手捧着鸽子，左手拿着苹果，放在台座上让鸽子吃；有人认为，她右手抓住将要滑下去的披布，左手握着一束头发，正准备沐浴；有人认为，她与战神站在一起，石手握着他的右腕，左手搭在他的肩上。总之，凡是可能的方案都想到了。但是同时，只要有一种方案产生，都会有人反驳。就这么，不断地有新的修复方案，不断地遭到反驳。最后，大家共同得出一个结论，保持断臂反而是最美的形象！
另一场争论，就是维纳斯的创作时代。
强调科学考证的人认为，从对发掘物的鉴定和其他遗物来看，应该是公元前1世纪的作品。可是，强调审美的人，就认为她必定是公元前4世纪的产物，只有在希腊雕塑艺术的高潮时期，才能产生这样的完美作品。近年来的有些美术史家来个折中方案，作品是公元前4世纪创作的，在米罗发现的是公元前1世纪仿制的。这一尊断臂维纳斯，是希腊艺术顶峰时期的代表作。
我们在欣赏这些人体雕像时，能够十分明显地感受到：古希腊许多神的形象，都是按照人的裸体形状塑造的。而且，雕塑家按照生活中的普通人，去创造最美的形象。所以，他们在塑造雕像的时候，就是对人的力量的赞美，对美的歌颂。他们在雕塑艺术上的杰出成就，也为我们后世的艺术创作，树立了不朽的光辉典范。
古希腊雕刻，是世界美术史的第一个高峰。它的成就十分巨大，对后世艺术，尤其是西方人体美术，具有不可估量的影响。
现在让我们回到中国。就在古希腊艺术从繁荣走向衰退的时候，中国开始产生了一个新的美术门类——壁画。它从秦代的阿房宫的金璧辉煌，到明清寺庙、道观的门神；从宏大的历史场面，到佛教故事，应有尽有。一直在中国流传了几千年。
话说到西汉时期，中国画家队伍逐渐壮大。有民间的画匠、画师，也有宫廷的专职画师，而且，有一大批有名的专业画家。比如，大家都熟悉的《昭君出塞》。王昭君长得那么漂亮，为什么没有得到汉皇的宠爱呢？就因为，她进宫的时候，没有钱送给画师毛延寿，毛延寿故意把她画丑了。
一大批像毛延寿这样的画师都是专门为朝廷服务的，叫作“御用画家”。他们作的画，都是宣扬皇帝的功德，赞美奢侈豪华生活，提供历史借鉴。这些内容，在壁画上表现得最为突出。
重要的壁画画迹遍布了黄河以北的好几个省份，如：洛阳西汉千秋墓壁画，洛阳老城西北西汉壁画，洛阳八里台西汉墓壁画，营城子汉墓壁画，山西平陆枣园村汉墓壁画，陕西千阳县汉墓壁画，辽阳北园汉墓壁画，望都汉墓壁画，山东梁山汉墓壁画，辽阳棒台子屯汉墓壁画，辽阳三道壕汉墓壁画
和林格尔汉墓壁画，徐州黄山陇汉墓壁画，嘉峪关汉墓壁画，河南密县打虎亭汉墓壁画。
《二桃杀三士》，是汉代壁画中杰出的作品。人物形象细致生动，内容又符合统治阶级的忠效思想。
这一幅画，画面上共有11个人物，分成三组，右边一组是三个勇士，各人姿态不同。靠近中部是一个小桌子，桌子上的盘子里，装着两只桃子。勇士田开疆低头看着盘中的桃子。还有两个人，一个叫公孙接，另一个叫古冶子，也都把目光投向盘子；中间一组五个人，中央站着的，很威严的是齐景公。他的左边有三个人。这一组中，中间最矮的那个人，是历史上有名的矮子晏婴，后人尊称他为晏子。其他的人，是侍卫和画面的陪衬人物。
这幅墓室壁画，线条流利刚劲，人物形象刻画细致生动。尤其对三个勇士的神情，表现得都栩栩如生。三个看上去都勇猛狂傲，但是每个人的神情又有细微差别。画家对人物的性格和情感的描绘，简直是出神入化。
中国古代有这么一句话：“狡兔死，走狗烹：飞鸟尽，良弓藏。”意思是说，当时的统治者，当他们把江山打下来以后，就千方百计除掉曾经与他们一起南征北战的功臣了。《二桃杀三士》讲的就是这样一个故事：
齐景公的政权稳固以后，担心公孙接、田开疆、古冶子三个将军功劳太大，将来不服从统治，就想点子除掉三人。谋士晏子向齐景公献上一计。他说：“大王，要想杀死三人根本用不着动武。只须用两只桃子就可以解决问题。”齐景公大喜，问是何妙计。晏子说：“您赐给三人两只桃子，声明是奖励给最勇猛、功绩最大的人。他们必定会互不相让，引起争斗，最后同归于尽的。”
果然不出所料，三人都认为自己劳苦功高，应该得到桃子。然而，他们个个是杀敌的英雄，绝不会贪图名份互相残杀。于是，三人都拔出佩剑，自杀身亡，人人留下清名。
这幅画的主题是宣扬封建的智勇忠义。同时，也不自觉地暴露了地主阶级为了自身的权利地位，相互争夺、欺诈、猜忌、陷害，那么没有人性。
民间的社会风尚，也是壁画的一项主题。比如，河南密县打虎亭一号汉墓中室的壁画《百戏图》，就是一幅生活画。
这是一幅巨型壁画，在7．34米宽，0．7米高的墓壁上，上下两边各绘一排贵族人物。他们身穿各种不同色彩的礼服，坐在席上，一边宴饮，一边观看百戏。画非常细致，就连宴席上的杯盘碗筷酒杯，都画得清清楚楚。百戏图像有跳丸、盘舞等项目。人物体态生动，结构非常严谨，场面十分宏大。
中国壁画的最高艺术，当数石窟壁画。说起石窟，大家可能会马上想到敦煌莫高窟。是的，敦煌莫高窟不仅在中国绘画史上占有重要地位，在世界美术史上也举足轻重。
敦煌莫高窟是典型的佛教美术。佛教在公元前200年前兴盛成为印度国教。佛教本来不崇拜偶像。自从公元前326年，希腊亚历山大王征服印度西北部以后，希腊艺术影响了印度。于是，佛教徒开始模仿希腊人搞偶像崇拜。在他们修造的石窟里，用雕塑绘画等造型艺术来表现佛、菩萨、罗汉、天王、力士等形象。后来，发展到把佛的本生或是前生的各种故事，也作为崇拜的对象。于是，石窟成了佛教宣扬教义的道场。这些绘画雕塑、石窟建筑与它的装饰，慢慢发展成石窟艺术。
佛教在魏晋南北朝时期传入中国。当时，中国社会战乱不停，与残酷的
拚杀相反，佛教宣扬“慈悲”、“超度”。统治阶级需要它，苦难的人民也需要它。于是，很快就在中国生根开花。所以，这个时期，佛教建筑除了寺院之外，还有大量的石窟。石窟比寺庙保留持久，和尚们就把大量的佛教绘画画在石窟中。敦煌莫高窟，也是在这种情况下开凿的。
莫高窟，在甘肃敦煌县东南的鸣沙山与三危山之间的坡地上，是我国西陲艺术文物的大宝藏。
根据记载，莫高窟是在公元366年，由一个名叫乐傅和尚的开凿的，至今已经1600多年了。它历经十六国、北魏、西魏、北周、隋、唐、五代、北宋、西夏、元，历代都有建造。窟内壁画达到45000多平方米。可是，令人心痛的是，中华民族的这个伟大的艺术宝库，在本世纪初，遭到了英、法、日、美等国的所谓“考古家”、“美术史家”和商人的盗劫与破坏，造成了极大的损失。
莫高窟自北到南，约有1600多米长。现存的洞窟有492个。这里面，北魏31个，西魏1个，隋代110个，唐代247个，五代36个，宋代2个，元代8个，时代不明的8个。现存的壁面，总面积4．5万多平方米，彩塑2400多个。
莫高窟的壁画题材，不同朝代又有不同内容。
魏晋时期，莫高窟壁画以佛、菩萨为主。画的大多数是佛本生的故事，主要宣扬佛的“舍己救人”内容。比如，第254窟，描绘了尸毗王与萨埵那太子的本生故事。萨埵那太子本生的故事是讲，太子看到森林中有一只母虎，带着七只小虎，躺在地上，饿得奄奄一息。他就把身上的肉割下来给虎吃，终于救活了母虎和小虎。这类作品，在当时佛教美术中相当流行。
第257窟的“鹿王本生”与第285窟的“得眼森故事”，都是同样宣传“舍己救人”、“善恶报应”的作品。
“鹿王本生”故事非常感人：一个人在山中打猎，不小心掉入水中。正巧，被九色鹿王看到了，就把猎人救了起来。猎人感激万分，跪下向九色鹿王叩头致谢。鹿王说：“你不用谢我。只要你不向人说出我住在这儿就行了。”且说那人带着一肚子谢意往家走。在路上，他看见一张大布告。布告说，
摩因光王的王后梦见一只美丽的九色鹿，谁要是能知道九色鹿在哪儿，国王有重赏。这是一个非常贪心的猎人，为了那笔钱，就跑去向国王报告，而且，亲自带领国王的人马到山里捕捉九色鹿。九色鹿非常伤心，就把它救猎人，猎人又忘恩负义的经过告诉摩因光王。国王被感动了，下令放了九色鹿，并宣布，从今以后，任何人捕杀九色鹿，都要被判死刑。
再说那个忘恩负义的猎人，终于没有好报。浑身长满了癞疮，嘴里也流出脓水，每天臭不可闻。
还有一类画，表现佛祖释迦牟尼降服各种妖魔。第428窟，就是很好的一个例子。
在整幅画上，释迦牟尼端坐在正中间。与佛祖作对的魔王波旬站在他的膝旁。波旬带着三个魔女，一个叫“可爱乐”，一个叫“能悦人”，一个叫“欲染人”。另外，还有手持兵器的众魔。他们软硬兼施，一方面想用美女来媚惑佛祖。企图没有得逞，又想用武力来进行威胁。不论哪种手段，佛祖都岿然不动，心稳如山。魔王黔驴技穷了。这时，突然大地震动，波旬昏倒在地，三个魔女变得又老又丑，其余的妖魔也全部纷纷逃跑。
莫高窟发展到唐代，达到全盛时期，内容和形式都比以前丰富。许多窟
内壁画精美，造型生动。很好地做到了内容与形式的一致。技法上，无论是用线与用色，用色与体质，都能精巧地结合。所以，后人评价说，这时期壁画富丽堂皇，明净又大方。既有磅礴的气势，又有细巧的意趣。
《西方净土变》是这个时期壁画中最精美的作品之一。
唐代开始信仰净土宗。佛教徒的所谓“西方净土”，就是指“极乐世界”。这是阿弥陀佛居住的佛国。当时的信徒中，有人念《弥陀经》50万卷。有人每天念佛一万声到十万声。有的信徒，为求早日到极乐世界，口中念着“南无阿弥陀佛”，爬上寺庙外的大树上，双手合掌从树上纵身跳下摔死。
在这种社会风气中，当时富有创造性的画家们，根据佛经的内容，把想象和现实结合起来，巧妙地画出了这幅宏伟的《西方净土变》，还让它具有很浓的浪漫色彩。
在画中，我们看到，阿弥陀佛端坐在中间的莲花宝座上，左边是观音，右边是两个菩萨，还有罗汉、护法的天王神将、力士和许许多多的供养菩萨。佛的座前，是一支乐队。乐队分别排在佛的两边，演奏各种乐器。里面还有跳舞的，有的独舞，有的对舞。除此之外，画上还画有七宝池、八功德水，池中莲花开放，鸭子戏水，飞天散花，等等。整个画面，显得富丽庄严，气象万千。杰出的画工们，也就在这种创作中表现了自己的艺术才华。
到晚唐时期，莫高窟壁画中一种供养像十分引人注目。像第130窟乐庭環夫妇的供养像，和第156窟张议潮夫妇出行图，画得都十分有生气。不过，我们还是忍疼割爱，就此略过。
宋代以后，莫高窟壁画开始衰退，再也不像从前那么光彩照人了。
在中国壁画里面，还有一个独特的分支，就是画像石和画像砖。在此，我们也不应该漏掉。
什么叫“画像石”呢？它不是天生上面有画像的石头。是指在上面画上各种图像的石头。那么“画像砖”呢？意思可以类推了。这两种，都是石刻画。
画像石和画像砖是西汉年间出现的。当时，统治阶级信神仙。认为活着做不了神仙，死后到阴间仍然可以继续享乐。所以，他们把死后“住”的地方——墓葬看得非常重要，不仅用昂贵的材料修造，还在里面装饰美化。把大量的艺术品带进坟墓，就连墓葬的每一块石头、每块砖头，也要精心雕刻，留着死后欣赏。
画像石和画像砖，都用刀代替笔，在石头或砖头上创作的。在刻画时，都善于抓住大体概貌。比如，在四川石刻中的“斗虎”、“射鸟”，山东石刻中的百戏、河南画像中的出行都是这样刨作的。
刻画像石的画师们，能在一块平常的石头上，或者一块小小方砖上，表现出宏大的场面，而且，能把错综复杂的人和事，安排得有条不紊。比如，山东两城山画像中有一个方石刻，被分成上中下三段。上段是宴饮场面，中段是乐舞场面，下段是庖厨场面。在描写庖厨这一段，又以庖厨的内容为中心，画面演变出有人去捕鱼，有人到井里打水，有人去打猎，有人在杀猪宰鸭。凡是与厨房中烹调有关的情节，全都画在上面。这是一种很好的丰富和充实画面内容的手法。
画像石、画像砖，没能流传很久。它的寿命只有几百岁。从西汉昭帝元凤年间产生，到汉末三国时期就废止了。由于它们坚硬耐磨，不易毁坏，遗留的作品反而很多。而且，分布在山东、四川、河南、辽宁、陕西、山西、
安徽、江苏、浙江等地，成为研究汉代的建筑、雕刻、绘画的重要文史材料。
欲知后事如何，且听下回分解。
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