画人从画佛开始。顾恺之画女史。人物像变得肥胖起来。宰相画帝王。百代画圣是吴道子。又贵又美的仕女们。大诗人变成了大画家。好江南出了一批好画家。“马一角”和“夏半边”。花香鸟鸣的花鸟画。
中国有句俗语叫“画鬼容易画人难”，为什么？原因很简单：鬼无形，爱怎么画就怎么画，没有人会说画错了，或者是说画得不像，谁知道鬼是什么模样呢；可是人有形，一个人一个模样，一万个人一万个模样，稍不注意，画像中的人就不是现实中的人了，所以，人们一看画像总爱问：“像不像？”客气点儿的人说“像”，不客气的人就会说“不像”或“不太像”。
如果总是追问像不像的问题，那我可以告诉你，再高明的画家也不会把像画得和真人一模一样，除非是翻模子的人按人形翻一个模子出来，不过那就不是艺术了，也不属于我们美术要讲的话题了。
画家们几乎都知道，让肖像与真人一模一样是不可能的事，不过，他们总想满足人们“像不像”的心理，于是他们尽最大的努力去把人画得像一些，久而久之，这便成了衡量一个画家好坏的条件了。
中国人爱被别人画，也爱画别人。现代科学技术的发达，使摄影艺术水平越来越高，摄影速度越来越快，快到一分钟出照片，可偏偏有人却到处找画像师傅画像，一坐得坐上半天，腰酸背疼，可他愿意；中国人爱画别人，小孩的画可以作证，他们爱画小房子、小花，可最爱画的还是人像，虽然人像画得一条腿长一条腿短，甚至画丢了耳朵，画方了头，但他们还是喜欢画人像。
所以，中国的古人最先、最喜欢画人像也就不足为奇了。他们画着画着，便画出了我国古代的人物像画家。
中国画包括三个部分：人物画、山水画、花鸟画。山水画成就最大，人物画出现得最早。如果我们转过头去看西洋的画，几乎都是人物画，真叫山外有山，天外有天。
还是来谈谈中国的人物画。
汉代的画像石画完了人间的琐事以后，人们便开始画人像，这时是魏晋时代。也就是说，我国的人物画开始于魏晋。
魏晋的时代可以说是个打仗的时代，战乱不休，灾难深重。也许是对现实无指望了，许多人便一头钻到了佛教里面，以清心寡欲的思想聊以自慰。一时间，人们纷纷说经论佛。佛教主宰了一切，也没放过美术。
当时的美术主要是人物画，所以人物画便也染上了宗教的气味。
奇怪的是，魏晋南北朝是一个极其动乱的时代，可却也是文化发展的一个伟大的时代，这种不相称的关系，中国历史上少有。
这个“伟大”首先就表现在人物画的兴盛。
人物画的兴盛也就意味着大批人物画家的出现，这个时候的画家比起以前来，地位和待遇都提高了一大步，为什么这么说呢？因为以前的作画人要不就是宫庭画家，专给皇帝画画的，要不就是民间的一些艺术家，叫画工，以给人画几笔赚点钱补贴生活，社会是不承认他们的。然而，偌大的中国，皇帝只有一个，宫庭也只有一个，宫庭画家当然少之又少，民间画工又不叫
画家叫匠人，所以，魏晋以前的作画人都是些零打碎敲的“散兵”。
魏晋时代就不一样了，由于士大夫们的雅兴，在他们的促成下，士大夫专业画家出现了，而且形成了一个较大的队伍，与民间画工完全不同。
另外，专业画家队伍的形成还得归功于当时的一些皇帝们，他们比着藏图蓄画，无意之中提高了绘画的地位，显示了画家的重要性。据说，载桓公性情特别贪婪，好奇心也不小，只要是天下的名画，他都要想方设法弄到手；宋武帝也很喜欢绘画；齐高祖灭了刘宋以后，将宋国的收藏全部占为己有，成了私人财产；梁武帝一生收集了240000多卷文，到后来投降时，便把所有的收藏品连同自己一起烧掉了。
俗话说：“上行下效。”皇帝喜欢，臣民也喜欢，于是画家一下子就多了起来。
魏晋的皇帝与以前的皇帝都不一样，在这以前的皇帝们都喜欢一种粗犷古朴的风格，就连宫庭卧室也都是这种风格的；魏晋时代的皇帝们喜欢的却是精密小巧的风格，以显示自己不是一般人。于是，这个时代，不仅专业画家出现了，而且他们还以皇帝的趣味为自己的趣味，形成了一种特殊的画风，追求精密，反对粗犷。
中国绘画史上，第一个最出名的画家要算是顾恺之了，他就是魏晋时代的画家。不过在他以前，还有一位画家值得一提，他叫曹不兴。
曹不兴并没有“不兴”，他是魏晋时代一位了不起的画家，他专画人物，是个人物画家；他还是第一个把佛教带进绘画的画家，所以，他的人物画以佛像为主，以人像为辅。
说到曹不兴作画，趣谈很多：他能在50尺长的丝绢上画大幅人像，心敏手捷，一挥而就，细看像的头身和四肢比例，丝毫没错。
相传，三国的孙权曾要他给自己画一张屏风，曹不兴作画时，不小心将一点墨水滴在画上，大家作画是不能出差错的，怎么办呢？曹不兴灵机一动，将这点墨水改成了一只苍蝇。画送到孙权那里，孙权看画，还以为是一只活苍蝇叮在画上，忙用手去弹它，却没想到是画中之蝇，如此逼真，孙权连连说好。可见，曹不兴的画技多么高妙。
从这一只苍蝇可以看出魏晋时代的画风是“巧密而精思”的。
自从一个著名和尚到建业（南京）以后，这和尚常常以佛像来行道，曹不兴有机会看到了这些“西国佛画”，便生出画佛像的念头，而且越画兴趣越大，终于，被称作是中国美术史上的“佛画之祖”。
曹不兴出名只在魏晋时代，真正为中国名画家的是顾恺之。
也许是当时史学家的粗心，他们没有记下顾恺之的生平经历，也许是顾恺之在当时不被人赏识，够不上录下生平的资格，反正，顾恺之自己的事迹后人知道的很少，家庭如何？何时学画？甚至他具体的生卒年代是哪年？人们一概不知。
不过，人们费尽了心思多少知道了他的一些事：顾恺之是个有天才的艺术家，成名早。20岁那年，他曾给文学家兼画家的王维画了一幅肖像，画得很成功，获得当时人们的普遍赞扬。他也开始小有名气。
顾恺之的才华传到了上层人士的耳中，他被人器重，做了官，官至大司马将军，他甚至还和后来做了皇帝的桓玄有交往，很受统治阶级的赏识，他们成为顾恺之的艺术保护人。
人们还知道，顾恺之的父亲叫顾悦之，当过无锡县令。
说到他的为人，他的同伴说他是痴愚、狡猾各占一半，该痴的时候痴，该精明的时候精明；还说他好开玩笑，好吹牛。看得出，顾恺之是个直率的人。
他和皇帝桓玄关系不错，桓玄偷了他的画，他也不生气，桓玄政治上失败，顾恺之却没受一点牵连，依然兴盛，这得归功于他那半痴半黠的性格。
顾恺之是个名画家，当然得有名作品，他的最出名的代表作是两部《女史箴图》和《洛神赋图》。
《女史箴图》不是凭空而作，而是以西晋的一位诗人所写的《女史箴》来作画的，这首诗是讽刺汉代贾后的。
《女史箴图》不是一张画，而有91卷九幅画面。中国古画一般总是卷轴画，很少有论张的。
九幅之中，最上乘的是第一幅，说的是一妃子冯婕妤为汉元帝挡熊的故事，场面紧张，皇帝和卫士吓得惊慌欲逃，而冯婕妤挺胸而上，小小的弱女子与堂堂的大皇帝成了鲜明的对比。
皇帝出门乘的轿车不叫“轿”而叫“辇”。皇帝乘辇而出，在古代是常有的事，可顾恺之却从这常见的事中受到启发，画了一幅皇帝乘辇，老百姓抬辇的图，皇帝一副安逸享乐的样子，老百姓却有被迫劳作的苦痛。
第四幅画最有意思，爱打扮、涂脂抹粉是宫文的一项生活内容，可顾恺之看不惯，用画来讽刺这些妇女们只知道装点自己的容貌，不知道磨练德性。
对《洛神赋图》，人们都比较熟悉，是根据曹操的小儿子曹植的《洛神赋》来作的画。曹植一直被他哥哥所害，“煮豆燃豆箕”的七步诗就是他哥哥逼他作出来的，他哥哥继承皇位以后，曹植更是抑郁苦闷，在《洛神赋》里，他借一个神话来表达自己失去爱情的痛苦。
这也是一幅画卷，从曹植在洛川见到美女洛神起，一直画到洛神离他而去，有欢乐的画面，也有哀怨、惆怅的场面。
很多人说这幅画卷比《女史箴图》艺术高，因为画出了人的形，也画出了人的神，也就是人物内心所想的。
这就是人物像的一个很重要的问题即形与神的问题。
顾恺之认为，一定要画出内在的神来，但神不是凭空而有的，所以又必须要先有逼真的形，也就是既要有形，又要有神。
顾恺之的有形有神说一提出来，很多人就提出反对意见。因为前面我们讲了，魏晋时代是佛教兴盛的时代，当时几乎人人拜佛烧香，而佛教里有一个很重要的观点，就是“形神相离”，不可神形兼具一身，而顾恺之的观点就是神形必须兼具一身，而且他坚持自己的观点，不管别人怎么说。
顾恺之的前面有一个曹不兴，他的后面也有一个画家值得一提，叫张僧
繇。
为什么提他？因为他的画虽不如顾恺之，但有一个大胆的变革，就是他一改人物像的削瘦型变为丰腴型。所以有人评价说，画人像的美，张要的是肉，顾要的是神。“张”就是张僧繇，“顾”就是顾恺之。
可以推想，张僧繇的人物都有肌肉的、肥胖的感觉。
与他同时的，雕塑艺术中，各大佛像、菩萨像的脸也开始由瘦长型向半圆型转化，变得丰腴圆润起来。
张僧繇的贡献是，他的肥胖型人物开发了隋唐的人物画风。
隋唐的画家们倒很尊重魏晋的画风，基本上保持了他们画人物画的风
格，追求精密。
避开小画家不谈，隋朝出现了一个大画家叫阎立本。
在当时，阎立本可不是个一般的人物，他是一朝的宰相，一人之下万人之上的职位。他又是一个大画家，所以，人们说到他总是以“右相驰誉丹青”称他。
因为他是个政治家，所以他的画大多数是政治历史画和政治肖像画。什么是政治肖像画？就是他画的人物大多是政治性的人物，一般的平头
百姓他是不画的。
阎立本是生在隋朝，长在唐朝，跨隋、唐两个朝代。
他和唐太宗李世民关系很好，曾为他画过一幅肖像，深得皇帝的赞许。他还画了一幅画叫《凌烟阁功臣图》，画作好以后，由李世民亲自给每个功臣写赞语，这时，画家还没当上宰相。
阎立本的代表画作是《历代帝王图》，这幅画作于哪一年，现在无人知
道。
可惜中国名画都流落到国外，顾恺之的《女史箴图》在八国联军侵略中国时，被英国人抢走，现在还陈列在伦敦博物馆；而这一幅《历代帝王图》又流落到了美国，正藏在美国波士顿博物馆。
《历代帝王图》中有13个皇帝像，他们是：前汉的昭帝刘佛陵，后汉的光武帝刘秀，有才有艺的魏文帝曹丕，憨厚的蜀主刘备，深沉的吴主孙权，统业天下的晋武帝司马炎，粗野但有策略的北周武帝宇文邕，外柔内凶的隋文帝杨坚，聪明浮夸的隋炀帝杨广，美才兼备的陈文帝陈茜，软弱无能的陈宣皇帝陈项。
如果看到画上的皇帝是庄严气概、威武英明的，那就是像刘秀、曹丕一类的能一统天下的英明皇帝；如果画上的皇帝是黯弱无力、浮夸平庸的，那一定是亡国之君。
在画这些皇帝时，阎立本注意抓住各个皇帝的特征来画他们的精神状态，是威武的还是黯弱的。
看人总是先看脸。阎立本把注意力大部分集中在皇帝的面部特征上。画他们紧张或放松的嘴部表情，画他们胡髭的软硬和疏密，画他们的尖、圆、大、小的眼睛，而且眼睛有的平视，有的上视，有的低视，目光不一，有的眼神是咄咄逼人，有的是黯然失色。画家没忘记古人常说的“眼睛是心灵的窗户”。
再看各个皇帝的坐立动作，有的沉稳如钟，有的萎靡如风。还有不同功绩的皇帝，画家让他们的衣服装饰物都不同，有的简洁明朗，有的华丽艳迷。
画家阎立本时刻忘不了自己是个政治家、宰相，所以，君贵臣贱他分得清清楚楚，在画有君有臣的画中，他总是君大臣小，君近臣远，君中间臣两边。若画到侍童，更有一种卑贱、僵硬的神态。
和顾恺之一样，阎立本的名画也有两部，除了这幅《历代帝王图》外，他还有一部叫《步辇图》。
《步辇图》画的是他同时代的事，当然也是政治事件。唐太宗时，国泰民安，国力强盛，藏族的领袖松赞干布主动提出要和唐王朝通婚，派来说亲的是使者禄东赞，使者进见唐太宗。《步辇图》所画的正是这个历史性的场面。当然，唐太宗答应了这门亲事，把文成公主许配给了松赞干布，第二年，他们便结为夫妻，这是画外的话。
文成公主进藏是各民族大业统一的好事，在当时特别引人瞩目，不论对唐王朝还是对老百姓都关系很大。这是一件反映唐朝蓬勃强盛的事件，阎立本当然不会错过不画。
“和亲”是件大事，可阎立本却用很简练的手法把它画了出来。在图的右侧，唐太宗坐在辇上，既威严又自信，有九个宫女，前后左右围着他，有抬辇的、有扶辇的、有持扇的、有拿着伞的，九个宫女九种姿态。
再看画的左侧，那个满脸胡子、手拿文书的是朝中引班的礼官；他后面拱手肃立的是藏族使者禄东赞，面对威风凛凛，名振海外的唐太宗，他是一副敬畏的神态，他后面还有一个人可能是朝中的翻译官。历史上的光辉一刻，阎立本就这样给记下来了。
顾恺之画人物，用的是“春蚕吐丝”的线条，阎立本画人物，大多是帝王将相，所以用的是坚实的“铁”线条。
这幅《步辇图》很幸运，没有流到国外，现在好好地被珍藏在北京历史博物馆。
山外有山，天外有天。比顾恺之、阎立本更伟大的画家是吴道子。
人们说，吴道子的出现，是中国人物画史上光辉的一页。
古人把吴道子看作是整个封建社会不可超越的画家，尊他为“百代画圣”。
还有各代的油漆彩绘工匠、刻塑专业的工匠们都忘不了他，奉他为祖师。可以想见，吴道子在中国绘画史上的地位。盛唐名副其实是“盛”唐，
中国一流的诗人、一流的书法家、一流的画家都出现在这个朝代。
吴道子与阎立本不一样，他出身穷苦，自小就踉着民间的绘、塑匠们学习，想学得一技之长养活自己。出师以后，自己自立门户，做了一名画工，有了一些钱后，他又做了画工工头，主要是给僧侣地主画壁画赚钱。
不论他给谁画，人们都说他画得好，所以，口耳相传，他有了一些名气，以后便不再做画工，而做了一个小官吏，渐渐地，官升到县尉。有了一些钱后，他就不再想当官了，他跑到了繁华的洛阳，以画壁画为生。
他的名声传到了唐玄宗的耳朵里，玄宗爱才，就召他入宫，从此他不再浪迹天涯，久住在长安。
多才多艺的吴道子不仅人物像画得好，而且山水、草木、鸷鸟、桥梁、禽兽等等画得都不错，所以，爱山水的人说他是山水画家，喜欢花鸟的人说他是花鸟画家。没有一样不是绝顶之作。
据说，吴道子有一次去嘉陵江游览，体会和感受很深。当他回到长安后，玄宗问他画了些什么。他说，我什么都没画下来，都在心里装着呢，玄宗就命令他在大同殿壁上描绘，他在一天之内，就画成了嘉陵江三百多里的风光。
佛经里说，佛教的始祖是释迦牟尼，他的父亲是净饭王，母亲是摩耶夫人，佛祖生下来后，父母曾抱着他去朝拜天神庙，其他许多神都向他朝拜。吴道子根据这一个传说，画出了著名的《天王送子图》。
佛祖是人们传说中的人，他的父母更是虚幻无形的，可吴道子的画里，佛祖的父母竟是一副唐代武士的模样和宫廷贵妇的神态，成为民间绘画中最常见的贵族阶层的形象，使传说带有一定的现实趣味。
别被吴道子的“画圣”所吓倒，吴道子绘画不是依靠神的指点，而是实实在在的功夫。他非常重视人物的眼神，据说长安菩提寺内有一幅吴道子画的舍利佛像，看佛像的眼球好像能转目看人，不论人在什么角度看它，它都
在看着人。还有，他曾画过一个手拿香炉的天女，她的眼睛好像对人说话。
吴道子画眼神的功夫在于他平常多看别人的眼睛、多画各种眼睛的缘故。
吴道子不爱吹嘘，但画画时却特别爱夸张。他看见的是现实，但画出来的画却是现实加感情，他画人的胡子和鬓发，总是数尺长而且迎风飞动。画家这样作画，不是故意歪曲事实，而是为了画出一个生动活泼的形象，所以他的夸张不是乱夸张，而是合理的夸张。
画人物画，线条是很重要的，吴道子画的线条不是“春蚕吐丝”式的，也不是“铁线描”式的，而是一种新式的，叫“莼菜条”，也就是把线条加粗加厚，形成波折起伏的形状，“莼菜条”不好记，叫“兰叶描”也可以。《天王送子图》里，佛祖父母的拖地长衣，用的就是锐利的兰叶描。人们常说的“吴带当风”就是这种兰叶描线条造成的效果。
吴道子的这些功夫，人们称它为“吴家样”，也就是吴道子式的画画风格，他自成一派。
民间传说，吴道子画人物画是神来之笔，神到可以先从臂部画起，再神到先从脚画起，而且还能肤脉相连，维妙维肖。
美人画是中国绘画中独特的一种人物画，美人画是民间百姓通俗的叫法，文雅一点的叫法是仕女画，在当时还有一种更文雅的叫法叫绮罗人物画，我们还是取其中，称它为仕女画。
仕女画现在虽不登大雅之堂，但在我国传统的人物画中，占有很重要的地位。
仕女画的鼻祖就是那位大名鼎鼎的毛延寿。王昭君出塞在中国家喻户晓，王昭君为何出塞？与毛延寿有很大的关系：王昭君特别美丽作了宫女，当时皇帝召见宫女都是先看毛延寿画的宫女像，王昭君得罪了毛延寿，结果毛延寿故意把她画像的脸上多点了一点，美女一下子变成丑姑娘，正好匈奴人来求亲，汉皇帝便把王昭君点给了匈奴人，事后，皇帝后悔无比，据说还把毛延寿给杀了。
毛延寿的宫女画画得极好，本来王昭君脸上的那一点应在眼睛中的，如果那样的话，王昭君美丽无比，可他轻意地换一下位置，王昭君就变得奇丑无比。看来毛延寿是很懂绘画的道理的。
要说有名的仕女画，还得推顾恺之的《女史箴图》。不过，那里面的美女都是瘦美女。
胖美女在唐代最盛行。这个时期的人们认为妇女以胖为美，越胖越美，所以，仕女画中的美女个个都有肥硕丰满而健康的体形。
唐代人画仕女画成风，所以仕女画也就是在唐代成就最大。
在众多的仕女画作家中，画得最好的是张萱和周旷。
张萱不仅画仕女还画婴儿，以仕女画最佳。他的仕女画很多，最有名的是《虢国夫人游春图》，画的是杨贵妃的姐妹虢国夫人一行七人游春的行列，把贵夫人的玩赏春光、悠然自得的神情，表现得很生动。
张萱仕女画的影响太大了，许多人都效仿他的画，以假乱真，所以，他把自己仕女们的脸上都涂上红晕，而且红到耳根，以此表示区别。
在众多效仿张萱的人中，有一个就是周旷，不过他进步很快，后来的画都超过了张萱。
吴道子有“吴家样”，周旷的画作得好，也有个“周家样”之称。
周旷是个贵家出身，所以他的仕女都是“贵而美”个个浓丽丰满肥胖，
人们看了喜欢。因为当时的唐代就是以胖为美，画家画胖仕女也是迎合人的兴趣。
能说明“周家样”是什么样儿的，要数《挥扇仕女图》。
周旷的仕女画在当时就被商人带到了国外，他的名声也传到了国外。他在国内也红了将近半个世纪，他的画风辉耀着整个中、晚唐的画坛。
以后的仕女画就渐渐发生了变化，她们变得“只美不贵”了。
中国的人物画、仕女画走过了它的光辉的历程。
代之而起的是中国画中最辉煌的一部分：山水画。
中国的山水画起于何时？这是中国画家们的一个热点问题。如此辉煌的山水画怎能没有个诞生日，画家们你争我辩，最后大致意见是：隋代展子虔的《游春图》是中国现存的最早的山水画。也有少数人不服气，说最早的山水画家是顾恺之，言外之意，山水画诞生在魏晋时期。
我们还是随大流，山水画从展子虔的《游春图》开始算起。
游山玩水是士大夫们的雅兴，山水画一开始也就被士大夫专业画家所掌
握。
隋代的展子虔开山水画之风后，唐朝就赶紧发展它，并把它作为一种绘画内容正式确定下来。唐代的山水画是确立时期，所以大画家不多，最先的是李思训，他画山水画，他的儿子继承父业，也画山水画，于是乎，人们称他们父子俩是“大小李将军”。
“大小李将军”的画笔法工整，色彩浓烈，用金色著彩，所以他们的画又叫金碧山水画。而展子虔的《游春图》以青绿色为主，又叫青绿山水画。
金碧山水是由青绿山水变化而来的，所以它们可以同属于一类。
不可以同属一类的山水是稍后一些的水墨山水，它的创始人是大诗人兼画家的王维，以后的山水画家基本上都是水墨山水画家。它是山水画的主流。
王维多才，既是诗人，又是画家，他的诗是“诗中有画”，他的画是“画中有诗”。
王维画山水画与他写山水田园诗的原因是一样的。
王维也做过小官，但他不幸，33岁时死了妻子，他便不再结婚，全心去学佛，寄托悲哀之情。更让他受刺激的是55岁那年，安禄山占领京城，他没来得及跑出去，被安禄山囚禁。安禄山失败后，他却被当成叛徒，又被唐朝皇帝囚禁。他经历了风风雨雨之后，便隐退田庄，过着“田园”生活。闲来无事，作田园诗，画山水画。
“田园”里的王维画出的山水画纯静、含蓄、悠闲，着墨“渲淡”。魏晋以后有个五代十国，五代时期，出了个较有名的山水画家叫荆浩。荆浩画的山水与王维相反，都是大山、大树，全景式。当然也是水墨山
水画，有笔有墨，对山水画大盛的宋元山水画影响较大。
紧接着，宋代的山水画兴盛期便来到了。第一批山水画家有三个，分别是关同、李成和范宽，当时人们称为“三家山水”。
范宽特别，居住在终南山、大华山的林壑之间，所以他的山水都是“千岩万壑”。范宽喜欢雪景，常画些雪景寒林的画。他的山水画给人的总印象是：浑厚雄壮。
欣赏范宽的画，有一点可以区别其他人，那就是，他的山水画总是山顶多密林。在传世的佳作有《溪山行旅图》和《雪景寒林图》等。
《溪山行旅图》中，大山大水，气势非凡，尤其是气势磅礴的大山满满
地占了大半个画幅；半山腰里直泻而下一线飞瀑，奇幻险峻。更有深意的是大山之下有小小的几乘车马，使画面锦上添花，富有生命力。
和范宽的山水画一起，统治北宋山水画坛的画家是李成。
可惜的是，李成亲笔所作的真迹，现在几乎没有了，人们总是从一些文字资料中来探讨。好在当时的画家们好交游，好聚会，所以关于李成文字资料还是能找出一些来的。
李成不喜欢大山大水，他要画的是寒林、野火和平远的景色。从他的画里人们可以看出画的是哪个季节，什么气候，这是他山水画的一个特点。
比如，看他的《读碑图》，一个旅行者骑在骡子上，他不在行走，而是停在一座大石碑前面，仰着头在看碑，似乎也回忆着什么。再仔细一看，石碑附近有几株枯劲的老树，从这老树可以看出，这个旅行者是在荒漠的地区、严寒的季节里漂零。有一种悲凉的感情。
相比较范宽，他的画就有一些写实的意义。而且笔墨新颖有趣。
范宽是雄奇峻险，李成是秀气可掬。
100年后，山水画是江山易主，一统天下的是“大米”和“小米”。“大米”指的是米芾，“小米”指的是米芾的儿子米友仁。人们常把他
们父子称作是“二米”，他们俩画的山水画称作是“米点山水”。
“二米”新奇，本来山水画从唐代到他们以前的宋朝都沿着一个风格向前发展的，可到了“二米”手中，山水画变样了。
人说“江南好”，米芾就是住在好江南，江南的云山烟雨，米芾都看了个够。儿子米友仁比父亲更有情致，跑遍了江南各地，江南的云山烟雨隐树，他更是喜欢，印象至深。
于是，山水画中的大山大树、飞瀑老树没有了，替代它们的是烟雨濛濛，宿雾晓烟，一片江南好景致。
“二米”的第二个变化是，米氏父子作画都是落笔自然，信笔作画，不讲究什么规则法度，如作游戏那样的轻松，着实让人佩服。
第三个变化就是，“二米”的用墨方式与众不同，以泼墨为主，参以积墨和破墨，紧要之处又用焦墨来提神，变化多端，使人仿佛身在云山烟雨之中。
“大米”的成就不小，可惜，作品都已散失，后人婉惜之中发出“无米”的叹息。
当时的画家们都说：“云里烟村雨里滩，看之容易作之难”可“小米”却偏拣难路走，画云山烟雨。他天赋超众，作画时，不经意地点点滴滴，云烟便顿时生出来，草草而成的画却有一种意境。
比起他父亲，他更把作画当作墨戏，甚至以这种儿戏的作画法得意非凡。“米点山水”新颖独特，很多人说好，可也有看不惯他们那种作画态度
的人，说他们是所有画家中最目无前辈的人；说他们的作画功夫浅显，只是半日之功；还说他们不过是变幻天机，绝不是绘画能手等等，这种批评也有一些道理。
若论变化，“二米”还比不上他们后来的李、刘、马、夏四大家，后者的出现，大有横扫一切的气势；而且他们的出现，带来了中国山水画的全盛时期，他们的画风百年不衰，影响极为深远。
他们可不是什么野派的山水画家，而是正规的院体山水画。“院体”就是学院派的风格，受正规训练的、画出的画是有规有矩、有
法有度的，和“二米”的墨戏完全相反。
他们四个人都出身于画院，不过那时不叫“大学生”而叫“画院待诏”。他们作画比“二米”规矩，但他们画的也是江南半壁河山，和“二米”
差不多。
这李、刘、马、夏指的就是李唐、刘松年、马远、夏珪。
先说李唐。李唐原是北方人，也就是北宋的人，80岁高龄的时候，白发苍苍的李唐到了南宋的国土，住在江南的杭州。
一方山水育一方人。李唐虽到了江南，但他的北方气质更浓，他继承的是范宽的画风，大山大水，刀砍斧劈，几下就作出了刚劲壮阔的山水画。
到了江南后，江南的云山烟村难改他雄伟的魄力，即使画南方小景的画也有一丝北方的气质。不过和以前的画相比，变化很大。
和后面三大家相比，他的画稍稍逊色，但他的爱国思想却是他们三人比不上的。
地地道道的江南人是刘松年。他是浙江钱塘人，住在杭州清波门外，所以，人们又称他刘清波。
他生在南方，长在南方，自然对南方的山山水水很有感情，他的画画的主要是江南的茂林修竹，山清水秀。不是桃李争艳、山峦叠翠，就是青山渺渺、白波漾漾。与李唐的完全不一样。
他的代表作品是《四景山风》，四景就是春夏秋冬四季景色，所以，这幅画卷分为四段。
从画面中看，当时的杭州西湖还不是一个公共游乐观赏的地方，而是贵族的庭院，所以画家没办法纵观西湖全局，于是他便分小块地来一一欣赏，形成了一种“小景山水”。
以前的画家总爱画“全景山水”，由刘松年一转画风，以后许多山水画便都画这种“小景山水”，有后面的“马一角”、“夏半边”可以为证。
西湖的四景只属于士大夫们，他们在里面游山玩水，悠闲享乐。刘松年的大部分山水都是贵族的山水，但也有一幅像“枯藤、老树、昏鸦”那样的好作品，叫《松亭图》。
《松亭图》里有一个平坡，二棵松树，一座亭子，亭子前方有一条一条的小路，路上皆是深草。最有意境的是，画面上只见草不见路，远处的草微微分开，以表示草中有路，构思新颖意境深远。
另一个画江南景色的北方画家是马远。马远是全才，山水花鸟都很精通，是画院中难得的人才。
马远成为画家，条件得天独厚。翻开他的家谱，曾祖父、祖父、伯父、父亲、哥哥、弟弟都是有地位的画院家，史书上有载，不过他们都是画花鸟的，他的远祖就以画百雁、画马、画牛、画羊、画鹿等而出名。在这样的家庭长大，岂有不成画家的道理。马远就是“马家风貌”的继承人。
除了“马家风貌”以外，他杂家并收，来者不拒，范宽的苍劲，“二米”的迷蒙他都视如珍宝，外加上江南的美景，就成了马远的山水画。
马远的山水画，排列起来《踏歌图》最好。好在它有了一些生活的内容。这幅画是描写农民丰收以后，欢娱歌舞的场景。不过，不要以为这是画
家对农民的生活感兴趣，他是要借这些愉快、安适的农夫形象，表现一种大自然的意境。醉翁之意不在“人”乎，在山水之间也。
我们现在最常见的一幅古人山水画，可能就是马远的《寒江独钓图》。
茫茫的水面上有一叶扁舟，一个渔翁坐在小船的船头，独自垂钓，四周除了寥寥几笔的微波外，几乎是一片空白。这一片空白倒突出地表现了江面的空旷和萧索，是画家匠心独运。
看这幅画，要注意两个问题，第一是有笔墨的人和船。画家似乎舍不得笔墨，细细地勾出小船和渔翁后，便没有了其他笔墨，剪裁很大胆。第二是无笔墨的空白。这空白可不是一般的空白，而是一种“虚”空白，实在哪里？实在这空白表现的是江面的空旷渺漠，寒意萧萧。中国的传统绘画，把这种空白的使用方法，称作为“计白当黑”。
爱省笔墨的马远，人们称他是“马一角”。
和“马一角”相连的是“夏半边”。
夏珪的名气和马远差不多大，绘画水平也是旗鼓相当，并驾齐驱，在当时是马、夏难分，人们说马必说夏，论夏必论马。
双胞胎还有不一样的地方，马、夏的绘画更不可能完全相同。他们的一个最明显的差别是，夏珪的墨里水份更多一些，又有“水墨淋漓”的称法。也就是说，夏珪的画更清淡一些。
“水墨淋漓”的夏珪，代表作是《溪山清远图》和《长江万里图》。夏珪和马远一样节省笔墨，画卷上从来不是满幅的。空白多，所以，人
们称他是“夏半边”。
为什么要画这种“一角半边”的山水？作画人自已没说，后人推敲，得出结论是：这“一角半边”是与当时南宋的“半壁江山”联在一起的。理由是马远、夏珪虽没有明说“一角半边”与“半壁江山”之间的关系，但他说过“不写中原殷富，只画剩水残山”的话。所以，这种推理很有道理。
其实，夏珪的代表作本来应该是《山水十二景》长卷，可惜的是这全卷的一大部分都散失了，仅剩的四景也都流落到国外，现在只剩下十二景的标题。不过从这些标题中，可以想象出这幅长卷画所体现的浓郁的诗意。
宋代的山水画在兴盛，元代也并没有衰落，四大山水画家又撑起了元代山水画的天，他们就是“元四家”。
元代是蒙古人的天下，蒙古人靠着自己的强悍进军中原，占领了江南，大量的汉族知识分子们觉得堂堂大汉竟被外族统治，心中蒙受了极大的屈辱和不平，江南的人士们更敏感，心中伤痛无法对人诉说。
对知识分子还有一个打击就是，元代的蒙古人不讲文才，取消了科举制度。虽然后人说科举制度不好，做八股文，死读书，读死书，但对当时的知识分子来说却是他们通向官场之路，是希望和饭碗所在，科举制度一取消，几百年的“学而优则仕”成了一句空话，文人们便无路可走了。
满腔的悲愤无处可泄，他们便把所有的时间、精力和情感思想寄托在文学艺术上，山水画也成为这种寄托的领域。
汉民族都倒下了，哪还有什么画院，这样画院派画家也就没了，山水画落到了一般文人的手中，所以又叫“文人山水画”，元四家就是文人山水画家。
“元四家”指的是黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇。
“元四家”有他们四家的特征，和“宋四家”、“清四王”不同。
中国人看画，首先看形状像不像，中国的画家作画，也拼命想把画画得像。可“元四家”大胆，第一次提出：画可以不像！引起人们一片哗然。
绘画可以不像，那么，什么人都可以作画了！“元四家”不是这个意思，
他们说，作画可以形不似，但必须神似。这“神似”二字可不是一般人能理解的，更不是一般画家能做到的，它比“形似”的要求要高得多。
“元四家”的神似，就是指画的一种意境美和韵味美。需要细细评赏才能看得出来。
喜欢创新的“元四家”又奇心大发，他们认为，以前人们在丝绢上作画不好，他们便发明了在宣纸上作画。事实也证明他们改得对，今天的画家们都在宣纸上作画。
“元四家”还有一个发明，使中国画呈现出一种独有的现像，那就是：
在画上作诗题字，盖上印章，以这诗文和印章来配合画面，互相补充。
为什么要题字？因为元代画家绘画不求形似，可画与物不一样谁能看懂？他们便想以题字稍加说明；另外，元代70年没有科举制，知识分子满腹牢骚，虽然以画寄情，但谁能看出这画中之情呢？于是他们又想到了题字，把自己的感情通过这诗文题字表达出来。考虑再三以后，“元四家”率先提出，众画家齐声呼应。
用印章可以理解，因为画家名字多，号更多写起来麻烦，盖个大印，又快又省事。不过印章的字是很有讲究的，马虎不得，否则一盖到画上，精品之画立刻会变得一钱不值。
另外，不大不小的一块红色印章给一片水墨的山水增添了鲜明、沉着和力量，别有一番趣味。
“元四家”这一发明创造，可给画家带来了不少麻烦，他们现在不仅要绘画，还得学诗文，练书法，甚至还要学刻印。不过，艺术家追求的是美，为了美，他们什么都愿意去尝试。
从此，中国山水画就多了两项内容：诗文题字和印章，缺一不可。
“元四家”会发明创造，可画作得怎样呢？我们就来看他们的画。
黄公望，一生活了86岁，做过小官，但这芝麻大的官却害得他两次下监狱，差一点送了性命，受了这么大的打击以后，他心灰意冷，一出监狱，便改名为“一峰”作了道士，开始学画画，这时他已经有55岁了。
和尚、道士总是四海为家，云游天下。黄公望被江南美景所迷，只在浙江、江苏一带来往，领略江南山水，最后画出了江南最美的景色。
他的画有三部出名，三部中之最又是《富春山居图》。
这幅画还是老式的卷轴画，全卷长达二丈四尺，可惜保存到现在的却是一些残卷。据说这幅画卷到明代的时候被著名的画家沈石所藏，清朝初年时，不知道为什么又传到了一个叫吴洪裕的那里，吴洪裕临死之前，失去理智，把这稀世珍宝投入火中，正烧着的时候，他的侄子吴静庵恰巧赶到，把它抢救出来，可是，这一名作从此被割成两段，现在，一段在台湾，一段在浙江。
《富春山居图》上画了十几个山峰，一峰一个形状，画了数百棵树，一树一种姿态，雄秀苍莽，是难得之作。
“元四家”中的第二家是王蒙。王蒙也作过小官，可他自愿隐居，过着一种芒鞋竹杖、高卧青山望白云的生活，所以，他画山水画是万壑在胸。
可他官瘾没灭，元代灭亡以后，他又出去做官，这一次却受政事牵连，死在监狱中。
他的代表画作是《青卞隐居图》。
曾在杭州城卖过罗卜的吴镇，没想到后来也成了“元四家”之一。他性情孤高，不轻易为人作画。他曾经和名画家盛懋邻居，好多人来请盛懋作画，
吴镇见了，说20年后不会再是这样，果然他出名了，人们都来请他作画。
他的画较多，故宫藏着他的一幅《渔父图》，其他很多画都在台湾。
空气中有水份，可肉眼很难看见，吴镇不仅能看见，而且还把它画出来，看他画里的山水都是湿漉漉的。
“元四家”中地位最高的是倪瓒，士大夫们最喜欢他的画。
倪瓒经历坎坷，不过都是他自己造成的，他出身于大地主家庭，不愁吃穿，过着读书作画的日子，可不久被佛禅所迷，竟越迷越深，为摆脱世间之事对他的影响，他卖掉了祖传的所有田产，说是要“不事富贵事作诗”。
他想摆脱世事，可世事却偏偏牵着他。不久，农民起义暴发，朝廷要征他租税，他田都卖了，哪有交租之钱，没办法，他弃家隐迹，以道人身份往来江湖。这样的生活，他过了20年。所以他憎恨农民，思想消极。
他的画现在还珍藏着许多，也很名贵。1961年，故宫纪念古代十大画家展览会，光倪瓒的真迹就有6幅，我国其他的稍大型的博物馆里，几乎都有他的画，他还有一幅画在台湾，一幅在美国。
倪瓒的画有一个特点，结构简单，古木竹石为多，山水也都呈平远之状。
平淡天真是倪瓒的画。
“元四家”的画盛极一时，影响有300年之久，迷倒了后来的一大批画家。一个叫王原祁的画家崇拜得更厉害，说：“我能嗅嗅他们的脚趾气也感到幸运。”这就不是拜倒了，而是拜死了。
“元四家”人多气盛，引人注目，不过别忘了，他们之外，还有一个独自成帮的山水画家，他叫赵孟頫，和“元四家”一样出名，甚至比他们出名得更早。
说赵孟頫，当时的汉人没有不骂他的，因为蒙古人的元世祖忽必烈，不知为什么特别赏识他，他也就在元朝做了官。这一做官为自己引来了无数的骂名，归结为一句就是“没骨气”。
赵孟頫一人作画，全家作画，一个成名，全家成名。他的妻子叫管道升是历史上著名的女画家，他的两个儿子，两个孙子，还有弟弟、孙女婿等等都是有名的画家，“元四家”中的王蒙就是他的外孙。
赵孟頫画画，是山水、人、马、花竹木石无所不画，样样精通。
我们现在常能见到的古画《秋郊饮马图》就是他的杰作。
除了绘画有名外，赵孟頫的书法也是珍品，现在我们还能见到他字体的字帖。
山水画成就大，说它必须要多用笔墨；然而中国花鸟画也是花香鸟鸣，繁花似锦，不得不说。
宋代在美术史上可是个极重要的年代，不仅山水画兴盛，花鸟画也大踏步向前发展，发展到明清两代，便出现了空前盛况。
宋代的花鸟画是和一位皇帝紧紧联系在一起的，他就是北宋的倒数第二个皇帝——宋徽宗赵佶。
赵佶是皇帝，也是中国绘画史上的一个杰出的画家。他还是当时皇家画院的院长，一个顶呱呱的山水画教师。
赵佶当皇帝时，是身在宫殿心在外，特别好玩；可他当老师时，却特别认真，简直判若两人。有一天，宫里荔枝结果，这是喜事，忽然一只孔雀飞到树上，喜上加喜。赵佶忙召画院众院士画下这副美景，众人各显其能，画出的孔雀华彩灿烂，赵佶看后，说了声“不对”，众院士莫名其妙，不知错
在哪儿。过了几天，赵佶又问“错在哪儿？”众院士无一人能答上来。最后，赵佶降旨，圣旨上说“孔雀升高，必先抬左脚，而你们画的都是右脚”众院士被赵佶的才能倾倒，佩服之至。
院士画月季，他说，月季花在不同的时间，花蕊和叶子都有不同的变化。
院士便细心地去观察了。
宋徽宗赵佶不仅能教，也更能画，在他众多的画中，《芙蓉锦鸡图》最有名。
《芙蓉锦鸡图》好在哪里？好在它描写了花枝和禽鸟的动态，芙蓉花枝被锦鸡压得很低好似不停地颤动，而美丽的锦鸡却抬头向上，好奇地看着翻飞的蝴蝶。三种形象相互联系，效果非常生动。
宫廷内在画花鸟，宫廷外也在画。宫廷外画花鸟的画家很多，不过他们画的可不是孔雀和月季，而是花中“四君子”——梅、兰、竹、菊。大文学家苏轼又以画墨竹而再次出名。
明清时代的花鸟画一统画坛，山水画退居第二。
自从“元四家”提出绘画可以不求像以后，后人纷纷相应，按自己所想的去画。这股山水画的风气也吹到了花鸟画上，花鸟画家们也不甘示弱纷纷效仿，结果，宋徽宗赵佶的那一套画法就不时髦了，孔雀左脚在前还是右脚在前都没关系，关键是这幅画表达的意境是深还是浅。这就叫做写意花鸟画。
明、清的花鸟画求的是神，是写意花鸟画；而宋代的花鸟画求的是形，又叫工笔花鸟。
每一种画派总要有一个代表人物，风云人物，否则也成不了一派，占不住脚，明清写意花鸟的集大成者是徐渭。
徐渭的头衔真不少，除了画家以外，他还是戏剧家、富有革命精神的艺术家。
不画画的时候，他就写剧本，写得都是短剧。剧本虽短，但看得出他是同情下层人的。
徐渭自己也是个不幸的下层人，一生潦倒，八次乡试都名落孙山，结果一度精神失常，更糟的是，他在精神失常的状态下，杀死了自己的妻子，他在监狱一呆就是七年，出狱的时候，已是53岁。
徐渭准备从头开始过自己的生活，于是他选择了绘画，并且一直画到他
73岁死去。“几间东倒西歪屋，一个南腔北调人”，这就是徐渭一生的写照。
性情不太豪爽的徐渭画起画来却豪放、泼辣，人称他的画是水墨大写意
画。这种画法在近、现代中国画坛最流行。
要想知道徐渭的“大写意”究竟是怎么回事，请看他的精心之作《墨葡萄》或《墨花卷》。欲知后事如何，且听下回分解。
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