意大利大放光彩。三巨匠脱颖而出。百岁的提香得了鼠疫。丢勒的妻子在街头卖版画。蒙娜·丽莎的微笑永远是个谜。米开朗基罗的墓碑上刻的是“大卫”。拉斐尔爱圣母。
话说到14至16世纪，世界绘画史上崛起了一座巍峨的高峰。四百多年来，让无数的艺术家敬仰不已。它，就是文艺复兴时期的欧洲绘画。
提起文艺复兴，在这里有必要费些笔墨做一番介绍。
经济往往总是文化艺术发展的后盾，文艺复兴也是如此。公元13、14世纪，欧洲的封建贵族和骑士阶层开始没落了，富有的商人、市民开始强大起来。这在意大利表现得最突出。
意大利半岛是联系欧洲和东方的纽带。印度、波斯的物产，特别是香料，非常受波斯人的欢迎。商人们经常用马和骆驼驮着这些物产，横越小亚细亚，然后装船运到意大利的港口。在那里上陆后运往欧洲各地销售。意大利的港口，特别是威尼斯，垄断了这种通商利益。
后来，这种利益受到了阿拉伯人、土耳其人的威胁。于是，发生了著名的十字军东征的战役。从1096年第一次远征以来，一百七十年间，开往小亚细亚的大军就有九次。十字军东征，一般都称为了夺回圣地耶路撒冷。但是，其中的商业利益也是一个重要原因。据说，这次东征，是威尼斯的商人们为了维护自己的垄断利益，极力劝请罗马教皇和王公贵族发起的。远征，使威尼斯更加繁荣起来。
同样，佛罗伦萨和其他城市，商业也非常繁荣。出现了许多富裕的商人。就这么，崭新的商人文化和市民艺术诞生了。这种市民的文化艺术运动，就是“文艺复兴运动”。
被中世纪近千年的禁欲主义笼罩之后，市民们十分渴望自由欢乐。他们对教会宣扬的“神性”、“神权”、“神道”深恶痛绝，对封建等级特权与禁欲主义，展开了猛烈地抨击。在斗争中，他们借助古典文化作为自己的有力武器。尤其是东罗马帝国灭亡后，拜占庭帝国的许多艺术家和学者，不能安居乐业，就带着珍贵的书籍、古希腊艺术品等，亡命逃到意大利讲学，更加深了人们对古典文化的了解。于是，轰轰烈烈的“复兴古典文化”的运动，就首先在意大利兴起了。从15世纪中期开始，文艺复兴运动很快传播到欧洲各国。
文艺复兴并不是对古希腊、罗马文化的简单重复。它的核心思想，就是提倡以人为中心，主张个性解放，宣扬个人的幸福高于一切，蔑视所谓的“天堂”。同时，也瞧不起贵族的世家出身，嘲笑僧侣的愚昧无知，提倡科学，自由。在美术创造上，主要描写人和人的生活。构图讲究变化，强调色彩明朗，线条生动活泼。自由的艺术环境，孕育出了一大批杰出的艺术家。
文艺复兴时期，意大利出现了几大画派。而佛罗伦萨画派的艺术成就最高。这个画派里云集了当时意大利最著名的美术家，他们的作品，充分地表现了崇高的人性和人的情感，否定被神权支配的基督教神秘主义。他们把解剖学和透视法，用于美术创作，使人物形象准确生动，空间布局合理。让我们看一看，他们在世界画坛上的辉煌成就吧！
在佛罗伦萨，文艺复兴时期绘画较早有新意的画家，是奇马部埃。据传
说，他从小喜欢画画，每天都去看亡命逃到佛罗伦萨的一个画家画画。当时，他就从这个画家身上吸取到了希腊精神。后来，他很快成为一名匠人画家，他的画，表现出了中世纪画从来没有的生气。
可以看看他的《圣母与圣婴》。画上把重要的人物画得大，次要的人物画得小。可以看出来，他还是在用观念绘画，构图还算不上非常合理，技术上也还有点拘泥形式。不过，与中世纪的作品比较，那要自然生动得多。
奇马部埃还留下了这样的传说。他受佛罗伦萨市民的委托，为一个教堂画一幅祭坛画。在他以前，佛罗伦萨的人从来没有看到过这么漂亮的绘画。人们从他的画室到教堂，排着热闹的长队，举着旗子，吹着喇叭，运送他的作品。后人称奇马部埃为“画家之父”。
奇马部埃和当时的匠人画家一样，经常到各个城镇巡游。他还受到那波利国王的邀请，为国王工作。有一天，他在郊外散步的时候，发现一个放羊的男孩，正在石头上不停地画着什么。他走近一看，男孩长着一个古怪的面孔，但是，他画的画却非常好。画的全是羊的画像，这使奇马部埃很佩服。于是，他劝男孩说：“你不要放羊了吧！作我的徒弟，好不好！”
当然，这个男孩是求之不得的，有说不出的喜悦。他回家告诉了父亲，马上得到了父亲的允许，作了奇马部埃的弟子。他的技术提高相当快，后来，终于超过奇马部埃，成为一代大师。当年的这个男孩，就是大名鼎鼎的乔托。
当乔托渐渐成为一个大画家的时候，按照当时的风气，要游历意大利的各个城市，锻炼技巧，然后，再回到佛罗伦萨。他是小说家薄伽丘的朋友，和诗人但丁也是好朋友。但丁总是赞扬乔托的画，而乔托也非常尊敬但丁，并在一幅题为《乐园》的大壁画中，画了但丁的肖像。乔托除了在佛罗伦萨作画外，从1308年到1334年间，还在比萨、维罗纳、弗拉拉、拉文纳、乌尔比诺、阿累索、路加、那不勒斯等地，绘制壁画。此后，他以被任命为佛罗伦萨大教堂工程的总负责人，并被授以“大师”称号。不用说，他也画基督的画像。
《犹大之吻》，是乔托最有代表性的《圣经》历史画杰作之
根据《圣经》传说，犹大是耶稣的12使徒之一，相当自私贪婪，以三十块银币为代价出卖了耶稣。在逾越节的晚餐桌上，耶稣指出他是出卖自己的人。他知道自己的丑行暴露了，就提前溜走，并立即给敌人引路，前来捉拿耶稣。这幅《犹大之吻》，描绘的是犹大领来了敌人。他们有手里举着灯笼、火把、兵器的士兵，有祭司长和法利赛人的打手，恶狠狠地冲进客西马尼园拘捕耶稣。犹大走在前头，直奔到耶稣跟前，与耶稣亲吻作为认人的暗号。
画面以多人物的复杂场面来展开。画家有意借这个题材，来表现光明与黑暗，正直与邪恶之间的尖锐矛盾。画上的基督形象，是作为道德完善的崇高象征来表现的。
同样，圣法兰西斯柯的事迹也非常吸引他。圣法兰西斯柯是10世纪左右的人，出身在一个贵族的家庭，一度过着骄奢淫逸的生活。后来，他渐渐地感受到神的荣光，就离开了尘世，出家做了僧侣。从此，他在阿西西的山中，恪守宗教戒律，过着极端清苦的生活。可他的爱心和善行也一天天增加。法兰西斯何对小鸟和花草，也都有一颗真诚的爱心。最有名的故事，是他曾经把鸽子集聚起来进行说教。
法兰酉斯柯死后，人们在阿西西修了一个教堂纪念他。乔托就在教堂的墙壁上画了圣人一生的事迹。
这些作品都相当有名，不过，人们最感兴趣的是他画的《圣母与圣婴》。奇马部埃也画过同样题材的作品，两幅画的构图也非常相似。从二者比较中，可以更清楚地看到，乔托的画更富有文艺复兴时期的特点。乔托画中的圣母，也比奇马部埃画的更有生气，似乎更严肃，虔诚。那年幼的基督，也似乎显得更聪明。这幅作品充满着精神力量，技巧也更熟练。明显表现出向着新的时代发展。
乔托性格正直、豁达，不拘小节，一生中留下不少轶话。
在一个夏季炎热的日子里，他正在聚精会神作画，那波利国王来到他的画室。国王对乔托说：“如果我是你，这么热的天，我就不工作”。乔托听了以后，对他说：“如果我是国王，的确是不会做工作的”。
还有一次，罗马教皇派来的使者说：“教皇想请佛罗伦萨的画家画画，可不知谁画得最好，想要样品看看，才可以决定是不是雇用你。”
乔托眨了眨眼，把画笔在一桶红颜色里用力蘸了一下，随便一挥就在纸上画了很大的红圆圈，然后，递给了使者。“这就是我的画，你看吧！喜欢吗？”使者看了这个大圆圈，真是目瞪口呆，“乔托的画原来就是这个样子！”使者带着这个大圆圈去见教皇。教皇说，“就一个大红圆圈，别的什么也没有！”
“是的，圣父。他是个目中无人的蠢驴！给了他这么好的机会，他却画了个空心大圆圈！”使者很生气回答。
“告诉我，他不用圆规，画起圆圈来困难吗？”“不困难，圣父。他把笔往桶里一蘸，一挥而就。”“唔，是这样！这个圆圈画得真不错，圆得很。他肯定有一副好眼力，
还有一把好手劲，才能画得这个样子。好了，就选他了。”
这是传说中的一件趣闻。它除了说明乔托画的基本功好以外，还体现出了他的人格，不趋炎附势，不畏强权，还敢嘲弄统治者。
乔托上了年纪后，精力仍然十分旺盛。58岁以后，不再画画，开始从事建筑。现在耸立在佛罗伦萨的“乔托之塔”，就是他晚年的作品。
在乔托之后，佛罗伦萨出了一位有名的僧人画家，名字叫弗拉·安其里柯。但这不是他的本名。弗拉·安其里柯，意思是“天使的兄弟”。
安其里柯，是一个清高、虔诚的人。据说，他画画的时候，总是一面祈祷，一面作画。他又是非常谦逊的人。有一次，罗马教皇让他作主教，他说：“不，我虽然能够画个画什么的，但是不能作主教，去管理僧侣们。”他拒绝了教皇的好意。
据说，他从小就喜欢树木、花草和小鸟。他二十岁时进修道院作僧侣，当时的僧侣，除了奉祀神以外，每个人还要作一种世俗人的工作，比如，农民、木匠、医生、教师等工作。那么，安其里柯呢？他喜欢画画，当然选择了拿画笔的工作。
当时，印刷术还刚刚萌芽，书籍都是手抄的。安其里柯就担任写经文的工作。不仅仅写文句，还要在经书上作精美的插图、装饰。这可是他最拿手的。他一点也不嫌厌烦，长年累月一丝不苟地工作。有一天，他脑中出现天使的幻影以后，就画了许多天使的画。
故事是这样的：有一次，他画天使，没画完就疲倦地睡着了。不一会，不知从什么地方飞来了真的天使，拿起安其里柯的画笔，把那幅画补齐了。安其里柯的画纯洁清高，但是，又有点孩子气，使人看起来觉得十分优
雅动人。他的早期代表作《变胎告知》和《圣母加冠》，都给人这样的感受。
在他的画中，处处充满温柔的抒情，是文艺复兴时期的自由主义的一种表现。
他以前，是没有这种绘画作品的。
稍后不久，出了一位大师，他集这些人所长，而且远远凌驾于他们之上。
此人就是波提切利。
波提切利生于佛罗伦萨，父亲是个皮匠。他少年时代嫌弃学问，似乎是个没有出息的孩子。父亲就打算让他做金银工艺匠。不过，他很喜欢画画，而且很有绘画天资。15岁的时侯，父亲把他送到画家菲利浦·利比的门下学圆。
利比是一位虔诚的教徒，又是一位现实主义的画家，他最善于表现世俗生活情感。波提切利跟随利比到佛罗伦萨附近的波拉多城作画，利比花了四年时间为该城的大教堂作壁画。四年的学徒，使波提切利的艺术知识和技巧提高很快。后来，波提切利又到佛罗伦萨著名雕刻家安德烈·佛罗基俄的工作室学习，就在这里，他与文艺复兴的伟大巨人达·芬奇同学。
波提切利还受过当时另一位著名画家安东厄奥·波拉尤奥罗的艺术影响。这位画家最善于表现人体。波提切利就这么博采众家之长，融汇到自己的艺术之中。所以，日后成为佛罗伦萨画派早期最杰出的代表画家。
在佛罗伦萨画派当中，他是最富于幻想的。当别人都对基督教的画着魔的时候，他大胆地开始画异教的画题。有名的《春》和《维纳斯的诞生》就是代表。
《春》是根据意大利诗人彼里西安的寓言长诗构思创作的。描绘的是清晨黎明时分，在幽静的桔林草地上，布满了盛开的鲜花。画的中央站着盛装打扮的维纳斯，面容略带忧愁。画像似乎想通过画中形象和环境，来象征自然万物的生命力。维纳斯衣着整齐，仪态显得肃穆庄重。但是，画家并不是想特意塑造美神，而只是想塑造一个平凡的女性。
在维纳斯的右边，是三个美神弗罗基尼、阿格莱西、查利亚。他们在天上分管宴会、舞蹈和交际，也分别代表美丽、青春和欢乐。女神们显得高雅绰约，翩翩的舞姿中隐含着逢场作戏的难色；三美神右边是一位健美的男青年，他叫赫尔密斯，是宙斯和赫拉生的儿子；在维纳斯左面一组神像中，上方一个是西风神塞非尔，正在用双手抓住想逃走的山林女妖克劳瑞斯。女妖一跃而变为容光焕发的花神，正身披花衣衫，在撒播花朵。她的前面，是娇健的春神。也有人说，风神是在推着花神和春神来到人间。春神和花神一起，把花草撒遍大地。这里的女神们，实际上是美好春天的化身。
《春》既然是表现春天的，环境又十分美好，为什么画家不表现春暖花开，而偏要创造出一种阴冷的气氛呢？好像是春天到来的一阵西北风，给人一种春寒的感觉。那么，女神们为大地送来了春意，又为什么不见一丝笑容呢？相反，看上去，她们内心并不愉快，像是笼罩着一层淡淡的哀愁，使画面呈现出一种微妙的、多少有点伤感的诗意。有人认为，这种伤感反映了当时贵族文化的悲观主义。
波提切利出身低微，但是，他以杰出的才华跻身于上流社会。他还在年轻的时候，就已经是佛罗伦萨的统治者——美第奇宫庭中的座上客。在宫廷里，波提切利接触了人文主义者、作家和诗人们。所以，他的画常常具有一种诗的抒情气质，同时，也多少带点贵族的哀伤。
据说，《春》是波提切利奉命创作的。画中的美神，是以当时的著名美
女茜蒙奈塔作为想象中的模特的。茜蒙奈塔16岁嫁给佛罗伦萨的委斯普琪，不久，就被美第奇的弟弟朱里安诺看中，把她抢占过来。她22岁时，在美第奇家举行的选美会上当选为“女王”。可是，第二年，就暴病死亡。在她出殡的时候，不用棺材，而是让她仰卧在车上，四周围上鲜花。全城的人看了以后，无不为之惋惜。波提切利更是如此。所以，他在画这幅画的时候，就不免把自己的这种情绪带到了人物身上。
《维纳斯的诞生》就更光彩照人了。它和《春》是波提切利全部作品中的两颗明珠。画面描绘的是美丽的西西里岛的传说：爱和美的女神维纳斯，从珍珠贝壳中诞生出来。时候是春天，也是吹着西风。于是，女神的身体被风吹佛着，像耀眼的光焰一样颤动。因为女神不是凡人，就不能像人一样站在地上，画家让她忧郁地站在贝壳上。正在给女神穿上美丽的衣服的，当然是花神弗罗拉。
考察一下这两幅作品，主题都是反基督教的。画上所描绘的女神的容颜，都带有情欲的意味，具有人类的忧郁。虽然是遥远时代的希腊女神，却给人一种近代人的感觉。女神们都被画成披着极薄的纱，或是裸体，但是，都没有一点害羞的样子。这在中世纪封建时代的绘画中，是从来没见到过的。我们在波提切利的作品中，第一次看到充分发挥了文艺复兴的精神。但是，作者却因此遭受恶运，受到当时宗教狂热分子的残酷迫害。
佛罗伦萨真是人杰地灵。这以后不久，产生了世界美术史上的三位巨匠，他们就是：达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。他们的艺术成就，古往今来有口皆碑。不过，他们留到后面再来评价。
且说佛罗伦萨的艺术，在拉斐尔死后，急剧地衰落下去。同时，也使整个意大利文艺复兴美术衰退。
花开两朵，各表一枝。再说说意大利另一个水上城市——威尼斯的情景。
15世纪的威尼斯是欧洲最大的海上强国，它是近东和欧洲海上贸易中心，据说全城有20万人从事商业手工业生产。政权掌握在新兴的资产阶级手中，这些人追求享乐，就特别需要艺术品。所以，促进了艺术的繁荣。
威尼斯的艺术曾受到拜占庭和北欧的艺术影响，而且，更是吸收了佛罗伦萨画派的艺术成就。到了16世纪，形成了独特风格的威尼斯画派。
他们画的题材大多数是宗教和神话故事，但是，更重视表现人的欢乐、狂热和激情。内容上以爱情、酒宴、裸体女子较多。与佛罗伦萨画派相比，他们重视色彩，十分讲究色彩变化。有时候，把物体画得模模糊糊。为什么不画清楚？那是有原因的。威尼斯是海边的水上城市，那一带水蒸汽总是很多。所以，物体的形象常常看起来带点模糊，而且十分柔和。早晨，傍晚，太阳的斜晖映照，所有物体又时时闪烁着美丽的光辉。
那么，威尼斯派的绘画，从谁开始，又是怎样发展的呢？
威尼斯派是从一个叫雅科布·贝利尼画家开始的。不过，传授这一派画法的，还是安东奈洛·达·梅纳。
在威尼斯画派当中，有一个人可给众画家撑了门面，他就是乔尔乔内。乔尔乔内是农民的儿子，品性善良好学。没有受过很多教育，但是他刻苦努力。他喜欢吹笛子，所以，他的画里，吹笛子的人物非常多。著名的《田
园的合奏》就是这样。另外，他的画，色彩非常美，人们都认为有音乐的和谐。那一定是他对音乐感兴趣，很能理解音乐的美。
乔尔乔内才华出众，但是英年早逝，只享受到33个春秋就与世长辞了。
他的生平，很少有人知道。作品保存下来也不多，最多只有7幅。最主要的作品有《田园的合奏》、《三个哲学家》和《沉睡的维纳斯》。
提香的出现，威尼斯派绘画达到了顶峰。
提香是将军的儿子，从小就不爱读书，一到上学的时候，就跑到城外，到山野森林里去游逛。要不，就到郊外摘花，将花揉烂取出它的汁液画画，家庭教师对他一点办法也没有。他的父亲只好把他送到威尼斯去学画。
老师是乔瓦民·贝利尼。最初，提香很听贝利尼的吩咐，学贝利尼画的风格。在贝利尼的弟子中，这时还有乔尔乔内。他年纪较大，所以，也教给提香一些东西。后来，提香一点也不听老师的了，只听乔尔乔内的教导。贝利尼很生气，把两个人都开除了。他们没有办法，只好靠画画维持生活。不过，提香的画总是更受欢迎。因此，乔尔乔内感到没趣，两人的关系开始疏远。不久，乔尔乔内就早亡了。此后，威尼斯就是提香一个人的天下了。
36岁时，提香认为自己有足够的能力和资格担任威尼斯共和国画师的职位了。这时，恰巧老画师贝利尼去逝。提香应威尼斯政府的聘请，接替了国家画师的职位。这一下，提香有机会广泛地结识各方贵族。所有到威尼斯的亲王、贵族、学者和知名人士，也都一定会去拜访提香。
到57岁时，提香的交往简直达到了高峰。就连罗马教皇，当时最大的封建君主，西班牙国王兼罗马帝国皇帝的查理五世等人，也都与他有交往。他们的思想必然对提香的艺术创造产生影响。所以，在上层社会里，他的创作是最有威望的。同时，他与威尼斯进步的人文主义学者，有着广泛的友谊。在最反动的年代里，他坚决维护民族尊严，反对教会专制。
提香善于使用华丽的色彩，他用这种技巧陆续画了许多出色的作品，令人惊叹不已。他特别擅长描绘出金色的调子，产生了“提香的金色”这个词汇。据说，米开朗基罗看见他的色彩，赞美地说：“如果形象再正确一点，就会成为世界第一的画家。”
《天上的爱与人间的爱》，是提香青年时代的代表作品。究竟画的构思是什么，谁也不太明白。不过，大致可以这样认为，穿衣裳的女性代表纯洁的天上的爱；而完全裸体的，坐在井边的，举止有点轻浮的，表示人间的爱。但是，也有人解释的正好相反。
提香晚年最主要的代表作品是《抹大拉》。抹大拉是圣经中所写的一个妓女。因受耶稣感化，忏悔了过去的罪恶，得到了上帝的赦免，最后，成为圣女。
画中的抹大拉眼睛仰望苍天，眼圈发红，充盈着泪水，好像正在为自己过去生活的罪孽而深深哀痛。近处的骷髅，说明她已经看破红尘；摆在骷髅上的圣经，说明她笃信宗教。但是，破碎了的衣服从肩上脱开，是为了显示她丰满的肉体。在肥腴的手指按抚下的胸脯，似乎正在起伏。从画中可以看出，提香是要把神圣的东西拉回到凡间来。
提香是画家中生活最幸福的人。他像米开朗基罗那样长寿，活到99岁；又像拉斐尔那样幸运和得宠。他有很多钱，住在像宫殿一样的家庭里，过着豪华的生活。直到最后得鼠疫病死去。
提香确实是威尼斯派最大的画家。不过，他之后，还有天才人物。其中最杰出的是他的两个弟子，一人叫丁托列托，一人叫委罗奈斯。
丁托列托是“染匠的儿子”的意思。画家的真名叫雅科布·罗布斯其。不过，现在谁也不叫他的真名。
丁托列托从小喜欢画画，在家里的地板上、染坊店的墙壁上，到处都画满了画。父亲为此很骄傲，请求提香收他为弟子。但是，他桀骜不驯，一点也不遵循老师的教导，终于，被提香赶了回来。可是，他对这件事毫不在乎。
他的志愿，就是要具备提香的色彩和米开朗基罗的形象。他以旺盛的精力，画了许多出色的大幅的画。他说，如果画幅不大，就画得不完全，不好看。他的《天国》壁画，画在威尼斯宫殿的大厅里，与米开朗基罗的《末日审判》在一起，可以称得上是世界上最大的壁画。
关于丁托列托性格暴躁的特点，留下这么一个趣闻：有一次，一个弟子把画卖给了商人，但买主觉得价钱太高，于是，想请丁托列托看一看值不值。到了他家，丁托列托看了那幅画，马上火冒三丈，当场给了弟子一耳光。商人大吃一惊，又很高兴，以为这样一定可以用很贱的价买到手了。没想到了托列托说：“傻瓜！你怎么把这么好的画卖得这么贱！”
委罗奈斯性格活泼，画了许多威尼斯的祭典、宴会等热闹豪华场面的画。他喜欢画那些愉快欢乐的场面，特别善长用银色调子作画。和提香的金色相对，也有“委罗奈斯的银色”说法。
16世纪以后，佛罗伦萨派开始衰退；17世纪以后，威尼斯派又失去繁荣。盛极一时的意大利文艺复兴宣告结束了。与此同时，在尼德兰、法国和德国，也曾经一度繁荣，产生了著名的画家。
尼德兰，就是现在的荷兰、比利时。在尼德兰，出现了一个画家之家，那就是勃吕盖尔一家，这一家中最有名的是老勃吕盖尔。
他是尼德兰偏僻农村的农民的儿子，是个有点不可思议的人。性格特别独特，画题离奇古怪。当时，绝大部分的画家，都是以基督故事、神话传说，或贵族、僧侣的肖像为主，还有富裕商人的家庭生活。勃吕盖尔却描绘农民的生活、民间的习俗。画出像《一群乞丐》、《村中结婚仪式》等画。
此时，日耳曼民族中出现了丢勒。他的整个艺术活动标志着德国文艺复兴的光辉灿烂时期。
丢勒的画具有版画的特征。尤其是他画人的头发，特别丝细流畅。他访问威尼斯时，威尼斯派的大师贝利尼认为，丢勒肯定用特殊的笔画头发。他想要一支丢勒用过的画笔。没想到，丢勒拿出一大把普普通通的画笔，叫他随便拣，说自己用的就是这种笔，并且当场表演，让贝利尼十分惊叹。
不过，丢勒的生活并不富裕。他的妻子甚至拿着小木版画到市场上去叫
卖。
然而，最能代表意大利文艺复兴成就的，当数佛罗伦萨派的“三杰”，他们是达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。
先谈谈人类文化史上的巨人达·芬奇。
达·芬奇是个私生子。1452年4月15日出生在佛罗伦萨西北的芬奇镇。他的父亲是当地一个富裕的公证人，母亲是个朴实的农家妇女。在他刚出主不久，父亲就和一个富商的女儿结了婚，母亲也改嫁同村的一个人。达·芬奇从小就是在继母和祖父母的管教下长大的。
达·芬奇从小非常善于思考，喜欢画画和玩弄粘土。他常拿着写生本到街上去，喜欢把容貌显得奇怪的笑态速写下来。同时，他多才多艺，对音乐、数学、地理、建筑、医学、工程学等学科，也都有浓厚的兴趣。
达·芬奇很想当一名画家，但遭到父亲的反对。不过，这也难怪，那时的画家是低人一等的，父亲希望自己的儿子当一位律师。小芬奇下定决心要
说服父亲。
有一天，他在一块木板上画了一条逼真的可怕的龙，放在半明半暗的房门口。当父亲踏进他的房门口时，突然失声惊叫逃走。这时达·芬奇笑嘻嘻地抱歉说：“爸爸，别怕，那是我画的龙。我知道我画得很好”。达·芬奇赢了。父亲知道儿子在绘画上有才能，决定在芬奇17岁时全家移居佛罗伦萨，同意送他到当时的艺术大师委罗齐奥那学画。
不久，达·芬奇就掌握了一般的绘画技术。1481年，当他29岁时，得到了施展才华的大好机会。他接受了为圣多那托修道院描绘祭坛画《三贤王的礼拜》的任务。这幅画的题材来自圣经故事。故事讲的是：东方三贤王看到了一颗不可思议的星出现，认为这标志着救世主的降临，就前去礼拜刚出世的圣婴。这个题材早就有人描绘过，但达·芬奇这次作了新的构思，使众多的人物群像得到了完美的统一。
当然，他真正的作品，还是1487年作为米兰大公的客人，住在米兰之后。达·芬奇具有多方面的才能。在1483年，他曾经给米兰大公写过一封自荐书，他说：战争时，他可以发明武器，筑垒城堡；和平时，他会兴修水利，建筑宫殿；他又是医学家、音乐家、戏剧家和画家。因为他多才多艺，很受米兰大公欣赏。
达·芬奇在米兰居留时所画的作品中，最著名的是《最后的晚餐》。这幅画是画在圣·玛利亚·德尔·克拉基阿教堂的餐室墙壁上的，据说，前后用了两年时光。这幅画取材于圣经故事中的“设立圣餐”这一节。在逾越节的一个晚上，耶稣预知他的死期将临，和他的12个门徒共进最后的晚餐。正在进餐时，耶稣对门徒说：“你们中间有一个人出卖了我！”这句话刚说完，门徒们顿时引起闪电般的反应。他们个个都感到突然。有的转身，有的站起来向主发问：“主，是我吗？”耶稣回答：“同我蘸手在盘子里的，就是他要出卖我。”犹大就问：“拉比，是我吗？”耶稣回答：“你说的是。”画面就表现12个门徒一瞬间的戏剧性场面。
全画总共13人，基督坐在当中。12个门徒分成四组，平均排列在左右两边。左边一组由巴多罗米奥、安德烈、小雅哥三人组成。巴多罗米奥好像怀疑自己的耳朵听错了，从座位上跳起来，手按在桌上，面向耶稣，情绪激动；安德烈双手张开，手指向上；夹在中间的小雅哥紧张地由背后伸手到第四个人的肩上，形成了两组间的关系。这三个人都面向耶稣。
右边一组，由马太、达太和西门组成。三人听了这骇人听闻的消息后，不由地谈论起什么来，三人的手都伸向画面的中心。
中右一组，是多马、老雅哥、腓力浦。多马伸出一个指头，好像在问老师：“有一个人要出卖你？”和他坐在一起的老雅哥张开两手，动作十分惊讶：“这是多么可怕的事呀！”年轻的腓力浦则用双手掩着胸部，似乎在说：“难道怀疑我对老师有背叛行为吗？”
中左一组的彼得、约翰和犹大三人最富有表情，也是画上的主要角色。坐在耶稣旁边的约翰歪着身子眼睛向下，两手手指交叉，有气无力地放在桌上，显得非常忧愁；火暴脾气的彼得，情绪激昂。他从座位上跳起，似乎在问约翰，叛徒是谁？他手中已握了一把切面包的刀，无意地靠近了犹大的肋部。对于犹大，达·芬奇采取了特别的表现手法：他听了耶稣的话后，情绪紧张，身子稍往后仰，右臂支在桌子上。右手紧握钱带，露出一种抑制不住的惊恐。这13个人中，只有犹大的脸色是灰暗的。
坐在中央的耶稣，摊开双手，把头侧向左边，表情显得无可奈何。这13个人，年龄、性格、身份都不一样，达·芬奇表现他们十分贴切。尤其是把每个人的心理和感情都准确地描写出来了。
达·芬奇画这幅画十分辛苦，搜集了无数的资料。教堂的主持人嫌他画得太慢，去向米兰大公暗中汇报，说达·芬奇整天游荡，很少画画。当大公问达·芬奇时，达·芬奇和蔼地回答：“画家必须想好了才能动笔，特别有两个人头，我至今也画不好。一个是基督的那种仁慈的美，一个是犹大的头，我想不出一个人得到了那么多好处，竟会背叛他的恩人。不过，为了快一点，我觉得把教堂主持的头像用上去算了。”吓得主持再也不敢去催促他了。
他作了许多人物速写。最后，他在下层的无赖人物中找到了一个，可以充作犹大的头像。他一边画，一边作笔记：“一个人饮过酒，把杯子放下，头转向说话者；另一个人，合拢双手，紧蹙双眉，看着自己的同伙；还有一个人，伸出两手的手掌，把肩耸到了耳边，嘴上又显出惊奇的状态”等等。
五百多年过去了。这位艺术巨人的伟大作品，对于今天的画家和观众，仍然具有极大的魅力。但是，壁画是采用油胶混合画法，容易剥落。再加上米兰气候潮湿，画受腐蚀严重。在17世纪时，教堂在壁画的下部开了一个门，彻底破坏了画面的完整性。1726年，曾经进行过最初的修复工作。但是，70年代后，由于法军的占领重遭破坏。尤其是1800年，这个食堂成了法军仓库，盖世巨作被尘埃淹没了。之后，又进行过三次复修，几乎恢复了往日的光辉。但第二次世界大战的炮火，再一次震得壁画斑落，几乎完全毁坏。只是近年来，许多专家精心修复，才保持了今天的面目。
不久，达·芬奇离开米兰去佛罗伦萨，在那里画了有名的《蒙娜·丽莎》，留下了世界上最“神秘的微笑”。据说，蒙娜·丽莎是佛罗伦萨一位银行家大佐贡多的妻子。达·芬奇在画她的时候，她才24岁。这位夫人刚刚失去自己心爱的女儿，常常郁郁寡欢。画家在画她的肖像时，为了让她面露微笑，想出种种办法：请乐师给她奏乐唱歌，或者说笑，让快乐的气氛帮助她展现笑容。画上的蒙娜·丽莎呈现的笑容很微弱，但是，可以从她的眉宇间看出内心的愉悦，一丝微笑似乎刚从她的脸上掠过。稍稍翘起的嘴角，微微舒展，可以让人感到这位妇女在被画的时刻的心情。但她那安详的仪态，表明她的微笑是平静的，不致引起情绪上的波动。蒙娜·丽莎的微笑显得特别有魅力，所以，美术史家就称它为“神秘的微笑”。
在作画的过程中，有一次，达·芬奇走近蒙娜·丽莎，惊奇地发现，这两只手是多么美妙啊！他用柔和的语调说道：“夫人，如果您不反对的话，我想描绘一双不加装饰的手，另外，脖子上的项链也请夫人去掉。”蒙娜·丽莎急忙从手上退下戒指，从脖子上脱下珍珠项链。画上的那双手，丰满、柔嫩，显示了她的温柔、文雅。
在作画过程中，达·芬奇被蒙娜·丽莎的美迷住了，并且偷偷地爱上了她，就使这幅肖像的创作成年累月拖延下去。不过，画家是把她作为一种理想来爱恋的。但是，肖像总是要完成的，那是在四年之后的事了。
对于蒙娜·丽莎的微笑，几百年来曾使多少人为之倾倒，也引起了许多评论家奇妙的想象。还有的说，是“谜一般的微笑”，是“神秘的微笑”，是“魅惑的微笑”，还有的说，是“邪气的微笑”。不同的人，从不同的角度去理解她的微笑。只要站在这幅画的面前，都会被蒙娜·丽莎深深吸引。曾经留下过这样的故事：有个英国人，把这幅画的复制品挂在墙上，早晚都
望着她，始终没有解开蒙娜·丽莎的谜，结果发了疯，用手枪击穿心脏死去。
还有一个故事：欧洲大战时，一个意大利青年画家把这幅作品从巴黎卢浮宫美术馆偷走。原因是，意大利人达·芬奇的名作，竟成了法国人的东西，他觉得无法忍受，青年画家偷去了，但是无法处理，他觉得把它卖掉是件可耻的事。没有办法，自己去坦白，作品再一次回到卢浮宫。
达·芬奇一生画了许多画，可是，他的晚年非常孤独冷清。据说，是因为出现了精力充沛、年轻又富有天才的米开朗基罗夺去了他的名声。1516年，达·芬奇移居法国。三年后，他在法兰西国土上与世长辞了，享年67岁。他的学生和朋友，佛朗西斯科·麦尔基说：“芬奇的死，对每一个人都是损失，造物主无力再塑造一个像他这样的人物。”
公元1475年3月6日晚上8时，意大利佛罗伦萨附近的卡普莱泽，迎来了一代天才“巨人”的降临。这个初生的男孩，就是米开朗基罗·波纳罗蒂。
母亲在生下他后就离开了人世。他是在一个石匠的妻子哺育下长大的。
14岁时，他被送到画家基兰达约的工场学艺。他的技艺提高很快，使老师感到很震惊。不到两年，他又转入美第奇家学习雕刻。
当时，佛罗伦萨城的中心人物，是美第奇家的罗伦索。此人是个大银行家，而且，十分喜欢有学问和艺术才华的人。他喜欢米开朗基罗的纯朴、真诚，不仅给米开朗基罗薪水，还像对儿子一样对待他。
然而不久，罗伦索去世，他的儿子科西莫作了美第奇家的主人。他一点也不热爱艺术，而且，对米开朗基罗冷冷淡淡。米开朗基罗一气之下，离开佛罗伦萨去了罗马，这一年他才24岁。他在罗马制作《哀悼基督》的雕像，作品受到欢迎。后来，佛罗伦萨人民呼唤他回来。再三思考后，他回到了故乡，把在当地沉睡了多年的巨石，变成了闻名世界的《大卫》英雄立像。
从此，米开朗基罗的名望远播，新任教皇朱理二世召他到罗马。对他说：“你为我修建陵墓”。这是他施展才华的好机会。他很快设计了一个雄心勃勃的陵墓草图，使教皇十分感动，立即下令动工。在创作过程中，他和教皇建立了十分密切的关系。这为他带来了光荣，也引来了灾难，激起了一些人对他的妒嫉。这段时间中，他创造了《胜利者》雕像。
在他55岁时，因守城失败得罪了教皇。教皇强迫他继续承担以前的陵墓工程，方可免去守城之罪。在这样的不愉快中，大师雕刻了《昼》、《夜》、《晨》、《暮》四个男女裸体雕像。
当时他不是画家。教皇宫中的西斯廷礼拜堂的墙壁和拱顶壁上还没有画，要决定找人来画。那些嫉妒米开朗基罗的人，想使他丢脸，就建议说：“让米开朗基罗来画好了。”正好，教皇也有这个意思，就吩咐米开朗基罗去画。
开始，米开朗基罗拒绝说：“我是雕刻家，不是画家。”但是教皇不听。米开朗基罗无可奈问开始工作了。这幅壁画上，画有300多个裸体人物，取名《末日审判》。他在创作时，倾注了全部心血。从早到晚仰着头，连晚上也点着蜡烛画。据说，由于长期仰着头作画，当作品完成的时候，有一段时间连头都不能转。此画可称得上是一流杰作。本来打算使他丢脸的人，此时，哑口无语了。
后来，出现了血气方刚的拉斐尔，动摇了米开朗基罗霸主的地位。可他不服气，竭力与拉斐尔较量。曾经留下了这样的故事：有一天，他看见拉斐尔带着许多从者到梵蒂冈宫廷去，就嘲讽说：“怎样啦，真无聊极了。简直
像被押送到牢房去一样。”拉斐尔也毫不示弱。他看见米开朗基罗孤单一人，就说：“嘿，简直像个被驱逐出境的人。”
尽管两人的关系很坏，但事实上，又都互相佩服。拉斐尔偷偷地学习米开朗基罗的雄壮有力，米开朗基罗却学习拉斐乐的优美。
米开朗基罗为艺术贡献了自己的一生。有位朋友对他说：“太遗憾了！你没有娶一个妻子，应该多生几个孩子，把你多年劳苦的光辉业绩当着遗产留给他们。”他回答说：“我已经和一个女人，这就是常常使我痛苦的艺术结合，生育的孩子太多了。我的孩子就是作品，它们在我死后将留传于世。”1564年2月11日，米开朗基罗与世长辞了。在临终前，他遗憾的不是生命的结束，他对帮助他忏悔的红衣主教说：“在我刚刚对艺术有点入门的
时候，我却要死了。我正打算创作我的真正的作品呢！”《大卫》塑像，使米开朗基罗名彪青史。
在圣经故事中，大卫是古以色列的国王。他少年时是个牧童。当非利士人侵犯以色列时，大卫到前线给他的哥哥送饭。敌方的哥利亚十分凶悍。正当以色列人无法抵挡时，大卫用甩石机杀死哥利亚，挽救了整个国家。他小小年纪，就立下奇功，后来，成为以色列的国王。这个圣经上神话传说中的人物，被米开朗基罗作为爱国英雄的象征。而且，他还说：当领袖就应该像大卫一样保卫祖国。
雕像很大，高有两米五。大卫双目凝视前方，左手拿着投石器，似乎正准备投入一场新的战斗。
雕像完成以后，放在什么地方呢？这是人们讨论的热点。因此，佛罗伦萨政府专门为此设立一个委员会，邀请许多著名艺术家共同讨论。最后，还是尊重米开朗基罗本人的意愿，放在市政厅的门前，作为城市保卫者的象征，鼓舞和教育后代子孙。不过，现在原作被佛罗伦萨美术学院珍藏，市政厅门前立着的是复制品。
米开朗基罗在他70岁时，终于完成了《摩西》，这尊雕像被称为“近代雕刻的最高成就”。这座雕像是半人半神、基督教与异教的完美结合。
《摩西》题材也是来自圣经故事。
摩西也是基督教传说中的一个英雄。在他83岁高龄的时候，率领60万以色列人摆脱了埃及的统治。在摩西身上，米开朗基罗把他塑造得目光炯炯，具有无限的洞察力，能刺透一切狡诈与虚伪。他那延伸到腰部的长胡须，增强了他的神圣权威和尊严。那捋着长须、青筋突出的双手，显示出了内在的精神力量。头上两只像角的东西，是权力、威严和刚毅的象征，这是以色列传说中的圣光。
同时，米开朗基罗为朱理二世陵墓创造了两个奴隶雕像。一个是《垂死的奴隶》，一个是《被缚的奴隶》。《垂死的奴隶》雕像，双目紧闭，并不像垂死，好像在睡眠中一般。胸前的绳索，象征着暴力与专制。艺术家并没有让奴隶表现出极度痛苦。《被缚的奴隶》，运动节奏非常清楚，人物壮实的躯体扭曲，力图摆脱身上的绳索。他的面部，显露出坚强不屈的意志。有人称他为“反抗的奴隶”。不知什么原因，这两尊奴隶雕像没有安放在陵墓前，而是转送了别人。
意大利文艺复兴时期第三位大画家是拉斐尔。
拉斐尔出生在乌尔比诺城，父亲是宫廷画师。他16岁时，到一个叫鲁其诺的画家那儿学画，这位画家的作品大多数是明朗的牧歌式的情调，拉斐尔
受他的影响相当深，初期作品就具有这种风格。
当时，年轻的拉斐尔听说，达·芬奇是意大利第一的大画家，非常向往，就到佛罗伦萨研究达·芬奇的艺术。这使他的卓越的才能得到了更大的激发。从此以后，他创作了许多出色的作品。
拉斐尔非常英俊，性格温和，举止优雅，是一个人人见了都喜欢的青年。但是，非常可惜，一代天才画家只活了37岁。在他短暂的一生中，画了将近
300幅画，其中，大多是圣母的画像。由于圣母像数量很多，所以，要在前面加上定语，比如，《花园里的圣母》、《座椅中的圣母》、《大公爵的圣母》等等。
当然，最有名的还是《西斯廷圣母》。在画面上，我们看到：圣母怀中抱着年幼的基督，乘着云朵从天而降，来到了苦难的人间，给人们带来了光明和希望。在圣母的两侧随从的，是年老的教皇和圣女巴尔巴拉。画的下方，有两个顽皮的小天使。
我们看画中的圣母不是被华丽的衣衫装饰起来，头上也没有戴着闪烁发光的桂冠。她赤裸双脚，身上披着一件布斗篷，怀里抱着一个胖得可爱的圣婴，完全是一副普通年轻妇女的形象。这位崇高的圣母玛利亚，优美、匀称的体形显得沉静安详。她的两眼闪烁出深沉而善良的光辉，同时，还流露出有点恐惧和不安。两只手，深情地搂抱着小圣婴。整个形象显示出纯洁、朴素动人的魅力。
拉斐尔把圣母画得出神入化，栩栩如生，使他登上了荣誉的高峰。因此，委托他作画的任务应接不暇。后来，他不得不建立庞大的作坊，让许多助手和弟子帮忙代笔。很快地，罗马教皇把他接进了梵蒂冈宫内。要不是英年早逝，拉斐尔在宫廷的地位，很可能非常显赫。
到了罗马以后，拉斐尔在教皇签字大厅描绘了反映古代科学、哲学等文化繁荣的《雅典学院》。这幅画以古希腊哲学家柏拉图建造的雅典学院为题。画面上汇聚着不同时代的50多位大学者，其中有柏拉图和亚里斯多德。他们在自由讨论，情绪十分热烈。艺术家出色地画出了每个人的学风和性格。
画面的色调处理也十分和谐。背景全是乳黄色的大理石建筑物，人物的衣饰有红、白、黄、紫、赭等颜色，相互交错。同时，画面的立体感也相当强。
到拉斐尔的时代，画家已经不是匠人，而是受人尊敬的“艺术家”了。拉斐尔很富有，过着幸福的生活。但是，就在他画《基督升天》时，中途去世了，年仅37岁。他的艺术一直都是纯朴生动的，不偏不倚，圆满和谐，被认为几乎是完美无缺的。所以，人们尊称他为“画家的王子”。而且，他所画的《圣母》像，受到所有人的欢迎。比如，在英国，要是说那个女人“像拉斐尔的圣母一样”，就等于说，那个女人有说不出的美。欲知后事如何，且听下回分解。
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