塞尚的苹果是优质苹果。凡高的问日葵快烧起来了。两个画家吵架，凡高割去了耳杂。高更是个“半土人”。中国画没有灭种。同是大家路不同。齐白石不画白虾画墨虾。徐悲鸿的马忘了戴缰绳。
话说东方国家和西方国家，自古以来，人们就清清楚楚，东方产丝绸，西方会航海，没有人会搞错。东西两方的国家志不同，道不合，在美术方面，更是各唱各的戏，互不相融。西方人爱油彩，中国人弄水墨，各自乐在其中。这样，一直到了19世纪。
19世纪的某一天，西方的画家们突然发现：自己不知道该画什么了，现实的、浪漫的、古典的等等都差不多画完了，他们后来绞尽脑汁，想出了画光和色，可现在，那种称为印象派的也差不多散伙了。以后，美术的路该怎么走呢？
正当他们停下笔，左顾右盼的时候，无意之间，发现了东方的画。起初，他们还是对这种水墨和木头的东西不屑一顾，认为用这么便宜的材料能作出什么好画。然而，定睛一看，似乎从画中发现了什么，再仔细一看，他们便找到了自己的美术之路，知道应该怎么走了。这个时候，是19世纪的后期。
他们看的东方画，主要是日本画和中国画。
日本是日本，中国是中国，虽然同属于东方，但还是两个国家。日本的画主要是版画，中国的画是水墨画。
其实，日本的版画，老祖宗还是中国。他们特别会吸取别人的长处，结果，中国的线描和木版印刷被他们拿过去，动动脑筋，就成了他们的版画。后来，他们国家的绘画竟然以这种版画出了名。19世纪，西方人总叫日本的画为“浮世绘”。
19世纪的中国画，还是水墨画，并且经过数代艺术家的努力，水墨画已取得了很大的成就，爱油画的西方人也发现了它的美。
日本的“浮世绘”虽然源头在中国，但它画的是日本社会的世相百态。画面上常用大块大块的黑色，还有其他的色彩。当时，凡是日本的东西，服装、包装纸等等都有这些叫“浮世绘”的画。西方的市场上到处可见，如同现在的广告，见多了也就熟悉了，便引起了西方画家的注意。
中国的水墨画，也是因为泼墨和水彩，引起了西方的注意。
西方画家还认为，东方的画家们感觉到什么就画什么，大胆地取舍客观事物，无拘无束。这是一大优点。
因为，这一批画家们感兴趣的还是光和色，尤其是色，所以，他们仍然给自己取名叫印象派。不过，他们与以前的印象派又不太一样，而且，时间在后，为区别起见，又叫做“后印象派”。
那么，后印象派与前印象派又有什么区别呢？
前印象派们是从风景画中脱胎而出，他们多画的是自然风景，比如，使印象派成名的莫奈的《印象——日出》画的就是雾中的小船和远方初升的日出，只不过是夸大了画中光和色彩的作用，使画面更美。然而，后印象派们却不能只画这些景色了。因为，这时，摄影艺术被人们发明了，摄影家们拿着小小的相机，一秒钟功夫，就能照出比风景画更美的风景照来。所以就有
人担心，这种新玩意是否会取代绘画。后印象派的画家不愿善罢甘休。毕竟，绘画是有着几千年的历史，哪能一下子被取代了呢。他们在探讨、摸索。
于是，后印象派的画家们提出：绘画要带有主观因素，不要光描绘自然，只有带主观因素的画，摄影才取代不了。
带主观因素的画，外加大块大块的色彩，这就是后印象派的主要内容。客观的世界、景物能一目了然，而主观的东西可就复杂了。看画的人哪
能知道作画人当时心里想的是啥。所以，后印象派的画就比较难看懂。
后印象派的主要画家有三个，他们是：塞尚、凡高和高更。
需要说明一下的是：后印象派的这三个画家，不像其他流派的画家，既然同属一派，就该步调一致。他们三人却各有各的风格。这也难怪，因为，后印象派要加入主观的因素。三个画家主观因素当然不同，而且他们三人的身世、性格和思想相差还很大。想窥一斑而知全豹看来是不行的。
我们先来说这一派的大将赛尚。
塞尚不仅是后印象派的主将，而且还可以说是19世纪出现的最大的画
家。
塞尚是个跨世纪的人，生于1839年，死于1906年。他的父亲原来是个制帽厂的厂主，后来突然变成了一个银行家，银行家当然有钱，所以，后来塞尚画卖不出去，经济落魄时，他父亲的遗产帮了他大忙，使他能安心地研究和探索自己独特的艺术道路。
他从小爱绘画，因为他家庭殷实，所以也不用拿木炭棒画画，而是进了美术学校，接受正规的学院教育，这对一个画家来说是非常重要的。
他还喜欢文学，大作家左拉就是他童年时代非常要好的朋友，他们常常一起读书写诗。
鱼和熊掌不能兼得。长大后，他要选择自己的事业道路，选绘画，还是选诗歌？他矛盾了很长时间，最后，他选择了绘画。
塞尚的父母却想让儿子继续当个银行家。不过，他们尊重了儿子的选择。塞尚的家乡普洛旺斯，位于法国的南部，那儿风景优美，盛产抒情诗，
他就是在这种美好的大自然中健康成长的。这对他以后的画风有一定的影响。
23岁那年，他父亲带他去了巴黎，他一有空就去卢浮宫，观察以前大师们的画，用眼睛来学习。他从未拜过老师，不过，他有很多画家朋友，他们都很有名，比如莫奈、毕沙罗，马奈更像是他的兄长，他们不断地给他指点和忠告。
由于塞尚的画家朋友特别多，他们对他都有影响，他便接受各种画派的影响，有浪漫主义的，有现实主义的，最多的还是当时流行的印象派绘画。另外，他常去卢浮宫，宫里陈列的古代大师的画对他也有影响。
他与马奈关系最好，马奈的画风对他影响最大，而马奈又是最崇尚光和色的印象派画家。于是，1866年，塞尚在给左拉的信中说道：“我也要下决心在户外画画了。”也就是说，塞尚跨进了印象派的门槛。
万事开头难。作为初学者，塞尚还没有掌握绘画技巧，所以，这时的画，画面都涂得很厚。
为了不辜负马奈的一片苦心，塞尚对光也加以尽心地研究，但他不像马奈那样，对光的研究简直走火入魔，成为光的“奴隶”，他除了光以外，心中还没忘记“物”。他认为，不论是物的“体”还是“色”都要给人一种稳
定感。
说到塞尚的艺术特征，人们常引用他自己说过的话：“用圆柱体、球体、锥体来描绘对象，并且都要表现透视关系。”意思就是说：根据个人自己的特殊感受，改造对象的形体，使要画的东西更单纯、更坚实、更有重要感。那么怎样来改造？靠的就是色和光了。
正因为塞尚喜欢圆柱体、球体，所以，他最爱画的、画得最多最好的就是苹果。塞尚画的苹果看起来圆厚，从里面鼓凸出来，简直像一个真的、优质的苹果。
塞尚的静物画画得最出色。他也画过肖像画，可是，画肖像他觉得不方便，比如，他画《沃兰尔肖像》的时候，沃兰尔起来坐下起来坐下，共130多次，他虽然还热情不减地反反复复地推敲，沃兰尔可累得吃不消。
所以，塞尚的静物画虽然都是小型的，但每一幅画，他都至少要用3年时间才完成。他常常对完成的画不满，随手扔掉，他的夫人又偷偷地拣起来，心情乎静下来以后，他又把这画拿出来，继续修改。他感兴趣的是静物的形式美，他要寻找一种最美的形式。
遗憾的是，他觉得美的东西，当时的世人却不觉得是美。他的一生都被人当作是异端分子，艺术上的危险人物，被排除在公共场所之外。奇怪的是，和他一样的印象派的其他的画家，却不像他这样被人误解那么深，时间那么长。
故乡总是最美的。43岁的塞尚在得不到理解的时候，回到故乡。他在故乡建了画室，安安静静地画他的苹果和静物。
1906年9月的一天，天下着大雨，路口的行人很少，塞尚在雨里画着风景画，他浑身湿透了。画着画着，他突然昏倒了，路过的一辆洒水车把他送到家里，不久，他便手握着画笔去世了。
塞尚静物画的代表可以说是《厨桌》。画面上，同桌子的平面相比，水果篮子是在一个水平线上；此外，桌子的左侧和台布下面的右侧不是一条线。塞尚这样做，似乎不太真实，但他是为了从各种不同的角度来表现这些物体，强调物体的立体感。结果，他这种有意歪曲物体外形的方法，反而增加了物体的一种独特的生命力。
仔细注意塞尚的画，他有很多地方都是这么做的。后来的许多流派的画家都很欣赏塞尚的这种表现法，对他推崇备至，把他看作是“现代绘画之父”。
人们常说的“眼见为实”到塞尚这里却不存在了。
说起大画家凡高，人们首先想起的是，他只有一只耳朵。再想到的便是，凡高是个精神病画家。
几乎每一个研究凡高的人，不论是欣赏他的画还是反对他的画，都会被他的一种精神所感动，那就是他以生命为代价换取艺术作品的完美。
凡高生于荷兰农村。他的父亲是个牧士，对他没有什么影响。不过，他有三个伯父却都是美术商人，虽然不画画，但有好几个美术店。凡高最先就是从这些美术店里接触到美术的。
三个伯父中，有一个伯父生意做得最好，而且在巴黎和伦敦都有他的分店，做的都是大画家名作品的买卖。这个伯父对凡高说，将来让他去继承自己的事业。
16岁时凡高毕业了，他来到伯父的店里学着做买卖，他工作认真、勤勉，伯父也喜欢，经常让他去伦敦或巴黎的店办事。但事实证明他对经商不感兴
趣。
然而，换了一个又一个职业，他都没兴趣，一直到28岁，也没有一个固定职业。
在找职业的过程中，他发现自己只对病人、穷人和悲苦的人感兴趣，所以，有一天，他对父母说“要抚慰世上一切不幸的人”，然后便来到一个矿上当了牧士。因为是自愿要来的，所以一切费用自己掏。他这个牧士不仅讲道，还与矿工们吃住在一起，还教育矿工的孩子。他自己没多少钱，便把人们捐给教堂的钱又施舍给穷人，结果违反了教会的规定，这个自费牧士又被撤了职。不过，这个职倒是撤对了，凡高又回到了绘画事业上。他正式绘画的那年是1879年，当时，凡高27岁。
人当然应该有热情，而凡高又显得太有热情了。他感情极其丰富，几乎遇到每一件悲苦的事都要流眼泪。所以，人们说，凡高极可怜地度过了他的一生。
其实，凡高小时候也接触过绘画，而且还狂热去研究过素描、解剖和透视，还接受过他的堂兄、画家毛威的指导，还画了一幅叫《桃花盛开》的画给他的老师。他在巴黎的时候，也接触了一些名画家。不过，他没有正式跟谁学过画，他只是按照当时流行的方式来画画，开始了自己的独立的，也是狂乱的创作生涯。
说“生涯”似乎是个很长的时间。凡高的创作生涯却很短很短。他1879年开始画画，可11年以后的1890年时，他就离开了人世。
现在，我们说凡高是个绘画大师，殊不知他的伟大的作品都是在他生命的最后五六年中完成的。
凡高也是印象派画家，他更喜欢的是色彩。他说，我要画一个人长着淡黄色头发，一定会加重他的头发的淡黄色，一直加到橙黄色，再加到铬黄色和明亮的柠檬黄色。不过，他又说，自己借助色彩来揭示一种精神，而不是单单为了色彩美。“我宁肯当鞋匠，也不要用颜色弹曲作乐。”这是凡高与其他印象派画家不一样的地方。
塞尚爱画苹果，凡高爱画的是向日葵。凡高自己曾经说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的或调和的铭黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上闪闪发光。”
凡高的向日葵是他最成功的作品，是他艺术和热情的高度的集中。
他的《向日葵》，用的是浓重的金黄色和有力的笔触，表现出了花朵飞动的神态，也表现出秋天成熟了的向日葵里，葵子的饱满和沉实的感觉。而用淡蓝的背景衬托黄花，加强了作品欢快明亮的调子。
凡高的向日葵都像是一团团炽热的火球在燃烧。
他把自己的那种不被人接受的热情，转移到了他的画上。
热情无比的凡高却没有一个朋友，整个一生最关心他、理解他的是他的弟弟提奥。提奥继承了他们伯父的事业，是个美术商人。但凡高渴望温暖和朋友间的友情，他一个人孤寂地在各地飘荡。33岁时到巴黎和提奥生活在一起。他的身体很虚弱，提奥便替他在法国南部租了房子，劝他到那里休养。他很喜欢这个地方，画了许多烈日下金黄的麦田的画。
在这里，他认识了后印象派的第三大画家高更。他们住在一起，共同画
画。
可不幸的事情发生了。有一天，俩人有了一点口角，高更说要回巴黎去，
凡高非常悲伤，精神病突然发作，他用刮脸刀砍高更，虽没伤着高更，但高更被他的举止吓坏了，晚上就没回来。第二天，高更不放心，回来看看，这一看可不得了，地上满是血，凡高用手捂住耳朵，倒在地上，他用刀割掉了自己的一只耳朵。凡高与高更的交情就这样结束了。
病好以后，他画了一幅自画像，画像上，他还扎着绷带，脸上表现出深沉的痛苦和忧伤。
以后，凡高的精神病便不断地发作，他呆过监狱，住过疯人院。他弟弟提奥担心他，就请求一个医生收留了凡高，可效果也不太好，常常被病魔所困扰。稍微清醒一些时，他便作画，画一些阴沉可怕的画，比如，黑鸟飞到暴风雨就要来临的麦田上，阴沉的太阳在不停地旋转等等。
终于，有一天，他预感到自己的病又要发作，痛苦又要降临，他用手枪结束了自己的生命。6个月以后，他那善良的弟弟提奥也步凡高的后尘而死。人们说：提奥是为了凡高而死的，因此，把他们兄弟俩的墓并列在奥维尔的麦田里，四周种满了凡高喜欢的向日葵。
凡高的经历特殊，凡高的画也表现出它的独特性。他虽然是个印象派画家，但他不像前期印象派画家那样沉溺于光色，也不像塞尚那样追求物体的方圆结构，他以火一般的热情在表现着生活。
我们说后印象派复杂，那么高更又是后印象派中最复杂的画家。他的画复杂，他的人也复杂。
凡高有精神病，思想复杂而怪僻，可与高更相比，还是小巫见大巫。所以，在许多介绍高更的著作中，人们更多谈的是他的生活而不是他的画。
高更生得真不是时候，1848年，正是法国六月革命高潮时期，高更诞生了。他的父亲是一个报社的总编辑。要不是革命，日子一定过得很好，然而他父亲受到冲击，巴黎呆不下去了，他父亲带着全家转往南美的秘鲁国避难，不幸于途中病死。母亲便投靠了高更的伯父，他伯父是利马总督，有一定的权势，直到伯父去世，他们一直住在利马。
7岁时的高更回到巴黎，上完了中学。10岁时在去南美的船上当个小侍者。20岁时，又在一个军舰上生活了两年。这期间，他对南洋土人的生活发生了兴趣。
从南洋航海回来以后，他回到了巴黎，做起了股票生意，由于他的精明，他竟赚了一笔钱，有了钱就有了稳固的地位，也有了美满的婚姻。
有了地位，他就可以出入于上流社会。到这个时候，他才对贵人们感兴趣的绘画有了爱好，空闲的时间还画些画，这时，他已过了30岁。
印象派共办了八次展览会，第五次的时候，他第一次送了两幅风景画去参展。以后每次画展他都参加，得到的评价也越来越高。他把许多赞扬的话作为鼓励，绘画劲头越来越大，终于，完全摆脱了安逸的商人生活，把全部精力投入到绘画事业。
艺术是要付出代价的。果然，高更开始变穷了，甚至面临着饥饿的危机。
过惯了安逸生活的妻子受不了这种生活，带着怨恨离开了家。高更却挺住了。
正在这时，凡高邀他同住，他接受了，还引出了凡高割耳朵的事来。
没有了妻子，没有了家庭，也就没有了牵挂。这时，高更又想起了原始人的生活。43岁时，他不顾一切，离开巴黎，到了一个叫塔希提的孤岛，去过土著人的生活了。
高更觉得土人的生活比巴黎生活更有趣。他盖了个小屋，穿着土人的服
装，吃着土人吃的食物。他还画了许多土人的画，尤其是茶褐色皮肤，厚嘴唇的土人妇女的风俗画，这些画都是欧洲美术中所没有的，展现出一种原始的生命力。
高更觉得那儿非常好，于是他便娶了个土人姑娘为妻，在那里安了家。有一次，高更从外面深夜才回到自己的森林小屋，他的妻子以为他是个游魂，吓得一动不动、赤裸裸地趴在床上。当时，妻子恐怖的神情给了他灵
感，第二天，他便根据晚上发生的事，作了一幅著名的画《游魂》，带有一种很神秘的色彩。
画面上是一个裸体的土著妇女，皮肤是褐色的，她伏在床上，一副害怕的表情；背景的左上方是一个黑衣老妇女，她象征着游魂。画面的色彩高度的和谐，橙黄色的人体和紫色的背景，还有一块黄色的被单。在色彩的对比中表现出一种神秘。而画中的人体却很真实，裸体也符合实际。神秘和真实交织在一起，说明高更还是个印象主义画家，而不是后来的象征主义画家。
高更的一生过的是流浪的野居的生活，而且这是他乐意过的生活，所以，他的艺术风格也很独特。他的画特点是：采用单纯平涂和十分强烈的色彩对比，创造出有装饰趣味的画，就像东方的壁画和古代的挂毯差不多。
可能还是适应不了土人的生活，他在塔希提呆不住了，但他不愿回巴黎，又去了多米尼加岛，并作了一些画，可不到3年时间，他就病死在岛上的一个小棚子里。
三个后印象派大师经过了世间的风风雨雨，都相继去世了，可他们完完全全地影响了欧洲现代的绘画。
欧洲现代的绘画又是怎样的呢？可以说是派别林立，日新月异。不怕烦的话，我们来列一下——打前锋的是象征派；以后相继有：纳比派、维也纳分离派、巴黎派、野兽派、立体派、未来派、表现主义、达达派、超现实主义、抽象主义、行动画派等等，几乎几天一流派。这些派中，有出名的，有不出名的。最出名的要数立体派。因为，它推出了一个著名的绘画大师毕加索。
如果你以为，立体派的画就是看起来有立体感、真实感的话，那就大错特错了。
“眼见为实”这话总不会错，可立体派却说按眼睛看到的实物画出来的画是虚假的。我们常说，看东西近大远小，立体派认为这也是骗人的话。立体派不从一个面去物像，而是要把各个面都表现出来，他们总是把对象的上、下、左、右、前、后等等各方面的印象拼合在一个平面上。前期立体派的画，看起来好像是粘贴的剪纸；后期立体派的画，看起来又像是积在一起的碎玻璃。
前面我们说过，西班牙美术有三大家，第三大家便是毕加索。
毕加索的立体派或者说立体派的毕加索到底是怎么回事呢？价值在哪里
呢？
毕加索的父亲是一个不大也不小的画师，他最崇拜的老师就是他的父亲。然而，父亲的才华有限，不久便转到巴塞罗那学习，还画出了获得三等奖的作品，当时他刚刚14岁，21岁时，他到了欧洲艺术的中心巴黎继续深造。
其实，毕加索一开始也没想到什么立体派画更没想去画它，他喜欢画的是舞女、丑角和江湖艺人。不久他从巴黎回到了他亲爱的祖国西班牙，没想
到却受到神秘宗教画的影响，带着这种神秘他又回到了巴黎。
后来的毕加索与第一次来巴黎的毕加索可不一样了。不一样在哪儿？后来的毕加索看物体总是把它歪曲着看，先毁坏自然界物体的形状，然后再根据自己的想象，用几何上的三角形、四角形，加以神秘的组合，再配以明暗的光线。毕加索自己还不知道，别人已给他这种画起个名字叫“立体派”。
立体派太独特了，许多好奇的人、猎奇的人纷纷来做立体派，并为立体派的胜利而欢呼。
可正当他们兴高采烈、雄心勃勃画立体画时，它的创史人毕加索却又变了风格，发表了完全不同的作品，人们停下手中的笔，吃惊地看着毕加索。
毕加索这回画的画，是把自然物体原本原样地画入画中。衣服的褶皱、每一根毛发还有背景的花纹等等，都非常稳重地加以描绘。立体派的毕加索转眼变成了古典主义的毕加索。他的同派人很气愤，叫他是“变色龙毕加索”，既然是“变色龙”了，毕加索就索性常改变画风和画的色彩。
不要以为立体派就是玩弄绘画艺术，至少毕加索的立体画就不是，不相信的话，就看他的立体画的杰作《格尔尼卡》。
这幅画是大型的壁画，里面的人和物看起来毫无联系，可实际上，它反映了当时西班牙的社会现状。
也许正因为如此，毕加索才能在众多的现代派画家中脱颖而出。
和其他画家相比，尤其是印象派的画家，毕加索的艺术之路还算平坦，也许正是这个原因，他活得很长，活到了92岁，差一点就是一个世纪。现代画各派起起落落，沸沸扬扬，他都一一看在眼里。1973年，他离开了人世。
在众多的欧洲现代派中，有一个流派听起来吓人，它就是“野兽派”。“野兽派”是怎么来的？
1905年，受了前辈大师们的影响，一批年轻的画家、雕刻家也在巴黎的一个画廊展出他们的奇特的作品。看得人不少，可说好话、点头称是的却不多。看到雕刻家马尔克的一件小雕塑像，一个艺术批评家惊呼：“野兽中的多纳太罗。”围观者哄堂大笑，于是“野兽派”就产生了。
好挖苦的人倒激发了画家们的自尊，他们决定坚持不懈，毫不动摇地画这种风格的画。
说起来感人的是，至今还有一批这种风格的画家，虽已人到老年，但还在老当益壮地、勤勉地沿着自己的道路前进。
“野兽派”的主将不是那位被嘲笑的马尔克，而是亨利·马蒂斯。
一位读者看了马蒂斯画的女性画时，说：“这些画，人不像人，鬼不像鬼，简直是个怪物！”马蒂斯也附和地说：“假如我遇到这样的女人，我会吓得飞奔而逃的。可是，我不是创造一个女人，我是画一幅画。”
这种不画女人画“一幅画”的作画方法，就是“野兽派”。
马蒂斯是法国人，他的父亲要他学习热门的律师专业，可他生来爱画画。
没办法，父亲只有让他上了美术学校。以后又作了大画家莫罗的学生。
做莫罗的学生，真是三生有幸。莫罗不愧是一代名师。他鼓励学生根据自己的爱好去绘画，从不搞“命题”绘画。要知道莫罗是正规美术学校的教师，他对自己“私人的”学生实施这种教育方法，实在是了不起。
莫罗还要他的学生经常去街头或大自然中去作画，马蒂斯也都一一照办
了。
“在艺术上，你的方法越简单，你的感觉就越明显。”这是莫罗对马蒂
斯说的，马蒂斯把这句话当作格言记住了。他以后的画也就是这么画的。
终于，有一天，马蒂斯从莫罗那里出师了，他学到了好多东西。
走出莫罗的画室，马蒂斯又崇拜上一个人，他叫毕沙罗，是印象派的一个画家。毕沙罗把马蒂斯引向了对塞尚的欣赏，然后毕沙罗便自觉地隐退了，他知道自己虽也是大师，但还比不上塞尚。
多种风格的影响，外加马蒂斯的创造性又特别强，他开始独立画画，走自己的绘画道路了。
他做了一名点彩画派的大将，画了他著名的油画《奢华、宁静和愉快》，色彩鲜明，却又不是完全摹仿现实。
马蒂斯牢记了塞尚的一句话：“艺术不是直接描绘，而是我心灵的作品。”他还牢记了老师莫罗说的“艺术是一种虚构”。
马蒂斯结婚了，他的妻子带来了大笔的嫁妆，他潇洒地用500法朗买下了塞尚的真迹《三浴女》油画，这是他一直想得到的。
《三浴女》对马蒂斯来说，犹如黑暗中的一颗明星，给了他信念和毅力。
即使到了政治上走投无路的时候，他也不会打《三浴女》的主意。
他崇拜《三浴女》就像基督徒崇拜《圣母像》那样。他一直小心翼翼地保护了37年，为了不会丢失，他考虑再三，把它赠送给了博物馆。
塞尚到底给了马蒂斯什么启示？
马蒂斯从塞尚的画中领悟到，可以在不损害造型、结构和色彩本质的情况下，保持印象主义明亮的光线和鲜明的色彩。不必要像某些画家那样，为了色彩，抹掉了结构和造型，让读者看不懂。
塞尚研究完了，马蒂斯又发现了凡高，发现了凡高的炽热色彩的魅力，他觉得浓浓的色彩可以加大一种力量感，于是他也学会了用强烈奔放的色彩来绘画，不过，他爱用的是纯色。
在那次参展的画家中，马蒂斯年龄比其他人大，智慧也超人，画艺最成熟，所以在野兽派群体中，他成了当然的领袖。
有人说，马蒂斯画画前，首先把画室里准备好的各种色彩纸搭配起来，配好了他满意的色彩，配好了调子，然后，他便照着配好的色彩来画画。这话虽是不好听，不是好意的话，但也有一些道理。
更尖刻一些的人认为马蒂斯的画不是画，而是“色彩的游戏”。
其实，野兽派的色彩是一种科学的色彩。称赞它的人认为比高更、凡高的色彩更强烈、更鲜明。
冰冻三尺，非一日之寒。马蒂斯一跃而成为一个大画家。不知情的人也许认为他太一帆风顺了，事实上他也有过艰难的时期。
据说，他曾为巴黎剧场装饰天花板，和工人们一起劳动，他需要钱，但又不想失面子。有一次，一个工人对他喊道：“唉！马蒂斯，快停下这个活吧，不是已经干了7个小时了吗？”马蒂斯不喜欢他这样嚷嚷，让别人都知道他在干体力活。
看马蒂斯的照片，一幅斯文、博学多才的模样，不像个画家，倒像是个哲学家或医生。
马蒂斯爱他的夫人，画了很多他夫人的像，都很成功，他说，他每画一幅夫人像，都要让她端坐在椅子上，共有100次之多。
说了半天，马蒂斯的代表作是什么？
他的代表画作是《舞蹈》和《音乐》，看起来的确与众不同。
《舞蹈》看起来就像是古希腊瓷瓶上的画。据说，马蒂斯画这幅画时，把木炭固定在一根长长的竹竿上来勾画舞女的位置和轮廊，然后按照轮廓剪下有色纸片，再把纸片打乱，随意构图，找出最佳效果。作画方法真是匠心独运。
野兽派刚兴起时，轰轰烈烈，但不久，每个画家都在寻找自己的风格，两三年以后，他们之间的差距越来越大，合久必分，最后分道扬镳。1908年时，野兽派就不存在了。
欧洲画坛在日新月异地发展，中国技法也不断地在吐故纳新。
讲到近日中国绘画，大家脑中首先的映像可能就是张大千、齐白石、潘天寿、徐悲鸿、黄宾虹、刘海粟等人。
可以说，大名鼎鼎的“扬州八怪”以后，中国画坛出现了不景气的现像，几乎没有什么引起轰动的画家，19世纪初的时候，中国画坛可以说是一片沉寂，有人担心，是不是中国画该“寿终正寝”了。
鸦片战争后，人们对一切的兴趣好像又提起来了。这种好情绪也传染到了绘画界，几个跃跃欲试的画家终于出现了。
有了领头的，其他画家也纷纷起来，中国沉寂的画坛终于又热闹了。那些替中国画担心的人也在说，中国画并没有寿终正寝。
中国画依然存在，不过风格与以前的大不一样了。
过去的画都崇尚淡泊雅致、哀而不伤、含蓄蕴藉，19世纪后期的近代画家们一改文雅的秉性，他们要反映现实生活，所以他们的画风热烈，色彩浓艳。
不过，万变不离其宗。他们依然属于中国传统的文化画家，传统的东西在他们的画上很明显地表现出来。
这个“他们”有很多人，只说最有代表性的，是任伯年、吴昌硕和稍后的齐白石。
西方的绘画和其他商品一起进入中国，这一回，人们小心翼翼地在观看、在选择了。
有来有往，看得多了，自然就有人喜欢了，于是，许多中国画家便去了西洋，进一步了解那种涂满了花花绿绿油彩的画。
中国画与西洋派渐渐地开始融合了。虽然许多传统的画家看不惯这种不中不西的画，但它还是在中国兴起了。
辛亥革命以后，中国美术界发生了很大的变化。中国各地相继办起了专门的美术学校或附属于师范学校的美术科系。这当然是件皆大欢喜的事。更可喜的是，在这些正规学校中，开设了教授素描、透视学、解剖学和油画与雕塑技巧的课程。西洋画终于登上了中国的画坛。
果然，中国出了第一批油画家和雕塑家。
另有一批人，他们喜欢西洋画，但也不愿抛弃中国几千年的传统画，于是他们便采用折中的方法，借鉴外来因素以革新中国画，并取得了卓越的成绩，出现了一批巨匠和名家。他们把中国画推向了一个新的历史时期。
几经努力，名家诞生了，他们就是张大千、徐悲鸿、刘海粟、林凤眠、李可染等。
恪守传统的一些中国人，对这一批画家还不能完全从心理上接受。从30年代以来，有人就不承认徐悲鸿、林凤眠等人的画为中国画。
于是，美术史上，就有了“什么是中国画”的争论，而且争论得非常激
烈。
争论是美术评论家们的事，我们还是来看这些大画家。
现在，大家脑中应该有这么一个概念：张大千、徐悲鸿、齐白石、潘天寿、刘海粟、黄宾虹、李可染等都是中国大画家，但他们分为两派，两派各有不同之处，他们各撑中国近现代画的半壁江山，一同把中国画推向前进。
这两派就是：传统派和融和派。
传统派的发起画家在先，我们就先说传统派。
乾隆以后，直到了清朝末年，中国传统画才又出现一位知名的画家，他就是任伯年。
说起来，任伯年还是四大高僧的第一僧石涛的学生。
作为典型的传统画家，他是山水花鸟肖像都画。他自己虽不觉得，但后人说他是花鸟更比山水好。
任伯年的山水，不仅是有山有水，更有人。人也不再是景的点缀，而是与山水平分秋色。使不识人间烟火的虚山幻水又重新传出了笑声琴韵。
至于花鸟画，他是各种花鸟随手拈来；他的禽鸟，个个造型生动准确，无不跃然纸上。
他的肖像画甚至引起了西方画坛的注目。当时，国内外评论家把他与同时代有世界影响的绘画大师相提并论。英国一个叫《画家》的杂志认为“任伯年的艺术造诣与西方的凡高相若，在19世纪中为最具创造性的宗师”。这是西方画家第一次对中国画家有这么高的评价。
将传统画再往前推进一步的是吴昌硕。
吴昌硕生在书香门第。八岁能作骈文。“骈文”是什么？是当时流行的一种作文形式，专说华丽词藻，文章优美，但内容平乏，有人打趣骈文说：一个买驴的文人，写买驴告书，三张大纸也没写出个“驴”字来。不过，会写骈文的人都是些有文学修养的人。吴昌硕就是个有修养的人。
吴昌硕34岁才学画。50岁他的画走向成熟，可以说是大器晚成的人。
他的画以泼墨的花卉和疏菜为主，画的题材不多，仅此几种花鸟。
他最拿手的是书法和诗文，所以他的画也都是书法、篆刻的笔法。不过，这倒更使他的画有了新意。
诸多花鸟中，他最爱的是梅花，画的最多、最好的是梅花，不过，他的梅花下面总是有巨石相伴。他说：“石得梅而益奇，梅得石而愈清”，他还说，梅和石是“知交”。
《梅石图》是他的代表作。在这幅画里，他就是以梅为主，以石为客，主客互相烘托，相映生辉。
更奇的是，他的梅花枝干看起来像是隶书字体。枝头上的点点繁花，疏疏密密，像音乐上的节拍器，节奏感很强。
要说传统派成就最大的画家，首推齐白石，为什么？原因有三点：
第一、齐白石是全才：诗、书、画、印、花卉、草虫、山水、人物皆精通。为他成为第一流画师提供了必备的条件；
第二、他的作品带着农民般的挚朴感。中国人感情最挚朴的是农民。人常说，农民挚朴得可爱。于是，齐白石的画首先深得平民百姓的喜欢，让中国的老百姓都爱上高雅的绘画艺术，这是齐白石的本领，他使文人笔墨画有了一种活泼的生命力；
第三、他的带挚朴感情的画，并不俗浅。相反他的山水和人像都有一种
现代的魅力，使他成为一个真正的现代画家。
有谁能想到，大画家齐白石的出身是个木匠。他是农家的孩子，学的是木匠手艺，靠自己的收入，他撑起了家庭的生活负担。
齐白石永远忘不了他在乡下的童年生活，虽然贫苦，但也乐趣无穷。成名后，他忘不了乡下的生活、乡下的百姓、乡村的风景。他的画充满了浓浓的乡情。
进入了大城市，他始终不改自己乡下的生活方式，不改自己对农村的感情和思想。他虽然是个大名人，但他从不抛头露面，也不爱和别人交际，他的乐趣除了绘画，就是躲进小屋给家乡的父母和妻儿写信。
熟悉齐白石的人都说，他有一颗童心。因为他的许多画都反反复复地刻划他对家乡和童年的回忆。
他小时候到山上放牛，祖母和母亲不放心，总是在他脖子上挂着一个铜铃，远远就可以听到。每当祖母听到铜铃声，见到他回来，一副欢欣慈爱的样子。他永远忘不了这农家的亲情，便作了《系铃人》和《牧牛图》两幅画。
如果有幸翻开齐白石的画册，你会发现，他画了许多张一个钓杆垂于水面的画，水中几只小鱼游过来，他在一张画旁题词：“小鱼都来。”孩子的口吻，孩子的心。
“小老鼠，上灯台，偷油吃，下不来”。这是中国的一首著名的儿歌谣。既然诗里能写，为什么不把它画出来呢？齐白石老人又萌发童心，画了许多幅表现农村旧式油灯的图，灯芯是一棵浸在油里的草，灯旁不是老鼠在偷油吃，就是一只飞蛾被油粘住，昏黄的灯火烧着了它的翅膀。
齐白石用一支深情的笔，勾画出一个温馨而简朴的生活气氛。文人的画就这样被注入了新的生命。
齐白石重感情，藏童雅，也坦诚得可爱。他看不惯那种故作矜持、明哲保身的人，给他们画了一个葫芦，还作题道：“依着葫芦无是非。”20年代，他常受人攻击，他就多次画《人骂我我也骂人》。
有人一分为二地这样评价齐白石：文人画家喜欢谈禅论道，他一概没有；文人画家常因官海沉浮而伤感和牢骚，他也没有。他直率，但不粗俗；他热烈，但不痴狂；他鲜明，但不华艳；他幽默诙谐，但不滑稽；他精致细腻，但不纤弱柔媚；他单纯，但不简单；他善良，但不与邪恶苟同
说得深刻，说的准确。
多才的齐白石当然不止于画一种童稚亲情的画，他画山水画，画花鸟画，画人物画，30岁后，他还画过仕女画，他的仕女画画得特别逼真，乡亲们喜欢，称呼他是“齐美人”。
温柔慈爱的齐白石，幽默起来让人捧腹大笑。1936年他为一个军阀画过一张画叫《搔背图》，画中描绘一个小鬼正在为钟馗搔背，绿脸小鬼拼命在替钟馗搔痒，钟馗仍不觉得舒服，说搔的不是地方，急得小鬼胡子都飞起来了。更有趣的是，他还作题：“这里也不是，那里也不是，纵有麻姑爪，焉知著何处？各自有皮肤，哪能入我肠肚。”
齐白石的意思是，为别人搔痒，拼足了劲卖了很大力也总难搔到痒处，给老爷当差的小鬼也不是好当的。这就是他对作官的态度。
白石老人最善画的是虾，“齐白石的虾”在中国也差不多算得上是家喻户晓了。
齐白石的代表画是《墨虾图》。
他的虾是黑虾，滋润透明，生动有致，就像是活虾在水中游蹦，趣味十
足。
仔细观看，他的墨虾又分五色：淡墨的头部，次淡墨的是身躯和尾部，浓墨点眼画脑，浓淡相间，层层分明。
另外，你还会发现，图中虽有虾游但不见有水，齐白石在图中虽不画水，也有水的感觉。看他的虾活灵活现，谁也不会想到缺少了水，这就叫“不似之似”。
传统派和融和派，花开两朵，表完了传统，我们再来看融和。
融和派第一大师就是著名的徐悲鸿。
可以毫不夸张地说，徐悲鸿是中国美术史上的一名改革家。
徐悲鸿改革中国画的决心是一往无前、满腔热情。他说画不能总画山水花鸟，而要写实。
徐悲鸿的胆量从何而来？
他的父亲是个画家，也是他幼年的老师，他的父亲喜欢的是“所见”和“真气”，于是他也爱上了写实画实。
他去过巴黎，这是世界艺术的殿堂，各种画派风起云涌，各路大师人才辈出。然而徐悲鸿安安静静地攻他的写实画。
当他从法国回来时，已是一个大师派头十足的画家，不合他写实风格的画，他难得看上一眼。
不过，徐悲鸿也没忘记中国画几百年的传统，他不忍全部抛弃，于是，他的写实，不是画战乱、病态、血肉的人生现实，也不是纯粹的眼见之实，而是以动物、花鸟表达感情，借古代的传说、古人们的事迹来影射现实。
国外的写实风格被注入了中国传统的精神，这就是徐悲鸿的绘画改革。
改革了的中国画是什么样的？这当然得由徐悲鸿来回答。
徐悲鸿拿出了他的《九方皋》和《愚公移山》以及《奚我后》和《田横五百士》。
在这些画里，人们不仅看到了中国画的又一种特色，还看出了徐悲鸿爱祖国怜苍生的一片深情。
老百姓熟悉徐悲鸿，可能是因为他画的马。人们最喜欢画家笔下那些奔驰无羁的马。
徐悲鸿的马可以说是种类繁多，有群马、双马、立马、奔马等等。然而不论什么马人们都喜欢。
正因为人们喜欢，所以好多的商人画家们把他的马画到盘子上作艺术品；还把马铸成铁画出售；还把马画在纸扇上招引顾客，等等。中国大大小小的工艺商店无处没有徐悲鸿的马。
徐悲鸿画马先勾出头部、躯干和腿蹄的轮廓，用的是简洁苍劲浑厚的线条；然后再用几笔，马身上的筋骨强实的肌肉便出来了；再破墨勾画出马的主要结构变化。有时挺劲的几笔，就把马的瘦硬和筋、骨、皮、肉画得本质都现出来。至于马的尾巴，在徐悲鸿的画里特别重要，他常常是大笔挥出，各种尾巴便出来了，有披散的，有飘拂的，有飞动的，有潇洒自然的，还有气势浩荡的。
徐悲鸿的马不是家庭或牧场的马，不是那种被驯养过的马，而是一种奔放不羁的野马。所以他的马几乎都是不戴缰绳的。只有在他的画《九方皋》里曾出现过一匹黑色雌马，例外地戴着缰绳。“这是为什么？”有人问。徐
悲鸿说：“马也和人一样，愿为知己者用，不愿为昏庸者制。”他的每一匹马都有一种深刻的含义。
最赏识徐悲鸿的一个画家是张大千。张大千在中国很有名，人们都知道中国有个大画家叫张大千，但张大千画什么？很多人却很迷惑，因为人们习惯了齐白石画虾，徐悲鸿画马的认识方式，所以总觉得张大千也该画个什么而出名。
张大千画什么而出名的呢？
张大千本名不叫“张大千”，1919年，他从日本回国，准备结婚的未婚妻突然亡故，他非常伤心，伤心无法摆脱，便出家当了和尚，“大千”就是出家当和尚时的法号。可和尚没当几个月，他就还俗了，但他仍叫“张大千”，以后一直就叫“张大千”。
据说，张大千的趣闻轶事特别多，比他同时代的任何一位画家都多。他是个多才、多情、直率而又有着传奇式经历的人。
他的性情豪爽得出奇，重情义，好交友，爱说笑打趣。朋友们都很喜欢他，徐悲鸿称他是“五百年来一大千”赞他既少见又难得。
他是四川人，但后半生几乎都是在海外度过的，前半生也是常常出国远游。中国人不太熟悉他的画大概与这有关系。
最熟悉张大千的可能是美国画家，因为美国纽约的世界美术协会称誉他为“当代第一画家”。
有趣的是，他是个大器晚成的“第一画家”。70岁时，他的画才走向更成熟的地步，才取得了伟大的成就。
这个伟大的成就表现在哪里呢？表现在他把西方的泼彩和中国的泼墨完美地结合在一起。
70岁以前的张大千也在画画，不过画的是中国传统的山水画，而且给人的印象是，他是个彻头彻尾的传统画家，传统的功底非常深厚。的确，他的传统画画得非常好，当时能和齐白石齐名，有“南张北齐”的说法。
当时人们曾风趣地评价他，说他是名气颇大但创造性并不强的传统派画
家。
晚年的张大千才开始想起创造，他是受外国人的启发才想起创造的。这一创造就使他从传统派走进了融和派。而且，张大千的创造“一鸣惊
人”，他画出了一幅世界罕见之作《长江万里图》。
这是一幅泼墨、泼彩的山水画，把泼墨与泼彩弄到一幅画上，张大千恐怕还是第一个，现在，谁也不能说他是个创造性不强的画家了。这时他已70高龄。
其实，中国人最推崇他还有一个原因，那就是1943年，他从敦煌游历回来，深感收获不小，就在兰州、成都、重庆举办了“临摹敦煌壁画展览”，震动了全国艺术界和美术界。他可以说是第一个注意并发掘敦煌艺术的美术家，从此以后，中国人知道了敦煌，注意到了敦煌艺术，而张大千从这些壁画中也受益匪浅。
1956年，张大千与西方绘画大师毕加索会晤。大惊小怪的西方报纸说这是一次“历史性的会见”，甚至报上还说这是一次“艺术世界的高峰会议”。其实他俩也只是切磋切磋画艺，赠送礼品，照相留念。张大千声名大震，从此又有了“东张西毕”的美谈。
张大千泼墨画画倒不是受西洋画的影响。在巴西期间，张大千建了一所
中国式庄园，他取名叫“八德园”，在往园中搬石头时，不小心使眼睛受伤，导致了视力逐渐衰退。他不能再作细笔画了，放下画笔他又不甘心，于是便创造出泼墨绘画的方法。
由泼墨到泼彩，就不能不说是受西方的影响了，而且受的是西方印象派的影响。
被迫加主动，张大千的画风便顿时改变了，连他自己也没想到，他竟然冲到了中国画的最前沿。
可以说，张大千是中国在西方最出名的画家，也可以说，张大千是我们中国的骄傲。
月是故乡明，水是故乡清。在外漂厉30多年的张大千非常热爱自己的祖国，不论在法国、巴西的街头，还是在日本、美国的贵宾席上，张大千永远穿着那一身长衫，昂首拂须，表现出炎黄子孙的古风，展示中国艺术家的气节。
落叶归根，他最后定居在台湾，从此再未出国。
他的荣誉无数，且不说中国大陆所授予的。1968年，台湾中国文化学院授予他荣誉文学博士学位；1974年，美国加州太平洋大学授予他荣誉人文博士学位；1976年，台湾“教育部”授予他“艺坛家师”匾。
四大高僧中有“二石”，现代中国画家中，又出现了“二石”，他们就是齐白石和傅抱石，也就是文人郭沫若说的北石和南石。
傅抱石是南石。
傅抱石的画很多也很有名。他同样也是中国现代的一位大画家；另外他还是个美术教育家。
说傅抱石主要是说他的画《江山如此多娇》。
要是你去过人民大会堂的话，你一定会被那幅巨大的画所震惊，它就是傅抱石与他人合作的画《江山如此多娇》。
1959年，中华人民共和国成立十周年，傅抱石献上了这幅巨作。
更使傅抱石感到荣幸的是，毛泽东在这幅画上亲手题下了“江山如此多娇”六个大字。这是中国唯一的一张由毛泽东题字的中国画。中国美术史从此增添了光辉的一页。欲知后事如何，且听下回分解。
- 欢迎来到文学艺术网！